karavan papou

Glenn Gould (2)

2012-01-28T00:22:00.000+01:00

Un jour à Orly

2012-01-27T00:31:00.006+01:00

Cliquez sur la photo pour l'agrandir

A l’époque j’écoutais à la radio les chansons de variété et comme quatre millions de français mes parents et moi avons été un dimanche à Orly, flâner sur la terrasse voir les avions décoller.

Longtemps m’a vie ne s’est pas étendue beaucoup plus loin qu’au delà de mon quartier de la banlieue Est. De ma fenêtre j’avais une vue imprenable sur un jardin ouvrier cerclé par un terrain vague. Pour résoudre la pénurie de logements, sortait de terre à vitesse grand V la Cité Edouard Vaillant. Rue des Peupliers, pas d’ escalier C, bloc 21, pas de confort maximum, ni ascenseur, ni salle de bains, mais les chiottes sur le palier et la baignoire sur la pierre à évier entre l’assiette creuse et l’assiette plate.

Pourtant avant la chanson de Becaud, mon frère aîné à fait son service militaire dans l'aviation et la guerre en Algérie. L'aviation, c'est pratique pour traverser la Méditerranée. Alors un jour je suis allé à l'aéroport accompagner mon frère avec mes parents et sa fiancée. Nous n'avons pas trainé en terrasse admirer les avions. Je n'ai qu'un souvenir flou de ce moment dans l'aérogare. Flou comme si je l'avais vu à travers les larmes de ma future belle-soeur.

Festival objectif Images en Creuse

2012-01-26T00:28:00.000+01:00

"crédit photographique "creusographie"

"Même si la nature profonde du photographe est la solitude, il est évident qu’il éprouve le besoin de partager sa passion, d’échanger sur le moindre détail, de montrer le fruit de son travail de se délecter de celui des autres."

"C’est dans cet esprit qu’est née l’idée d’organiser un événement particulier et novateur : le premier festival de photographie amateur en Creuse du 8 mai au 11 juin 2012."

"Le but de ce festival est d'organiser des expositions photographiques réparties dans 17 communes du département durant cinq semaines consécutives, une sortie photo-découverte ludique au labyrinthe géant, des animations musicales, des sorties nature pour allier balade et prises de vue dont « un voyage dans les étoiles », des projections cinématographiques ayant la photographie pour thème principal, et enfin la clôture du Festival dans la Chapelle de la Sénatorerie à Guéret avec la participation de photographes auteurs d’ouvrages photographiques, une animation artisanale : un appareil photo en pierre sera créé sous vos yeux grâce au talent d’un sculpteur de Masgot, une exposition d’appareils de collection, une présentation de photographies géantes, et enfin la remise des prix aux lauréats ayant réalisé les plus belle photographies."

Objectif images festival

Concours photos

dossier de presse

La Gnome Rhone junior

2012-01-25T00:58:00.000+01:00

Mon père à possédé une motocyclette pour draguer les gonzesses. Et pas n'importe quoi, une Gnome Rhône Junior, un frabriquant renommé en construisant des moteurs d'avions pendant la 1ère guerre mondiale. Une fois la paix revenu, il fallu songer à une reconversion et c'est tout naturellement que vient l'idée de mettre à profit les compétences acquises dans la construction des moteurs pour fabriquer des motocyclettes pour mon papa.

La Gnome Rhône Junior produite de 1934 à 1939 : Monocylindre 250 cc à soupapes latérales a été l'archétype de la moto populaire. Allumage par magnéto. Cadre en tôle embouti. Suspension avant à parallélogramme et amortisseurs à friction. Pas de suspension arrière. Vitesse maxi de l'ordre de 70Km/h. On the road again, papa.

Denis Brihat

2012-01-24T00:06:00.000+01:00

Le centre d'art Campredon de L'isle-sur-la-Sorgue consacre une importante rétrospective au photographe Denis Brihat. Outre 127 photographies couleur et noir & blanc, réalisées entre 1958 et 2011, l'exposition propose la présentation d'un ensemble de portfolios, livres d'artiste et cartes de voeux, ainsi que la projection de deux films. C'est en effet en 1958 que Denis Brihat s'installe en Provence afin de se consacrer entièrement à sa recherche sur le thème de la nature passant de son potager à son laboratoire n & b où il réalise des virages qui donnent ces teintes si particulières. Au cours des années 1980-2000, il se consacre à de grandes séries, sur plusieurs années. Son oeuvre, très poétique, est vraiment unique en son genre.

Exposition de photographies de Denis Brihat au centre d'art Campredon à L'isle-sur-la-Sorgue, jusqu'au 4 février 2012

Initiation au sténopé

2012-01-23T00:42:00.000+01:00

Le Centre d'animation Mercoeur, 4 rue Mercoeur dans le 11ème arrondissement de Paris organise le Samedi 29 janvier et le vendredi 13 avril une initiation au sténopé avec Katrin Guntershausen.

Sténopé (Grec sténos ♪ étroit, grec ops- leil,) est une dérivée de la Chambre noire et à l'origine de la photographie. Le but de ce stage est de découvrir ou redécouvrir ce principe qui est un jeu d'enfant. Nous allons fabriquer une boîte de sténopé ensuite nous réaliserons des prises de vue avec des tirages négatifs papiers que nous développerons dans le Labo photo. Tous niveaux. Le sténopé

Apportez une boîte de chaussure, des ciseaux et un pinceaux pour peindre le sténopé.

Samedi 29 janvier 2012
et Vendredi 13 avril 2012

Tous niveaux
Renseignements, Tarif et inscription
Centre d'Animation - MJC Paris-Mercoeur

4, rue Mercoeur 75011 Paris

Tél. 01 43 79 25 54 Fax. 01 43 79 26 54

www.mercoeur.asso.fr

Glenn Gould (1)

2012-01-22T00:37:00.000+01:00

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Bruno Monsaingeon. 4 octobre 2002

"C’est par une bouteille à la mer que tout a commencé. En octobre 1971, j’avais expédié une lettre à Glenn Gould, aux bons soins des disques CBS à New York. Je lui détaillais là les circonstances de ma rencontre avec lui, à Moscou, quelques années auparavant. Rencontre? Oui rencontre, mais au sens gouldien du terme."

"Car il ne se trouvait évidemment pas à Moscou l’été 1966 quand, étudiant fauché, j’avais néanmoins dévalisé l’unique magasin de disques de la ville. Les galettes noires, enfouies dans de vilaines pochettes anonymes de papier mâché, se vendaient un rouble pièce ; pas de quoi troubler mon maigre porte-feuille. Sans opérer de discrimination, j’avais tout raflé de ce que recelait le rayon classique, soit une soixantaine de titres, et avais même fait une courte incursion au rayon adjacent, déserté de toute clientèle, mais beaucoup plus abondamment fourni en marchandise, celui où étaient offerts, infiniment plus luxueusement conditionnés, et moyennant de très démocratiques trente kopecks, les disques politiques. Je m’y étais procuré un échantillon enregistré des discours du futur « Prix Lénine » de littérature, et pour l’heure du simplement très présent Secrétaire Général du Parti Communiste de l’Union Soviétique, Léonide Brejnev."

"On s’en doutera, ce n’est pas cet enregistrement (au demeurant hilarant, du moins aux oreilles d’un jeune occidental) auquel j’accordai la priorité de mon attention. L’étiquette gondolée, collée au centre de l’un des microsillons de la collection que j’avais moissonnée cet après-midi même, avait bien davantage aiguisé ma curiosité. Elle indiquait le nom d’un interprète quasi inconnu de moi qui jouait des Inventions de Bach."

"Je ne crois pas avoir été moins embrasé ce soir-là que Blaise Pascal lors de sa nuit de feu . « Joie, joie, pleurs de joie !!! »

"Dans ma lettre, j’avais trop de retenue pour dire au protagoniste de cette bouleversante rencontre ce que j’écris aujourd’hui. Mais je lui faisais comprendre que j’avais entendu son appel, tout en lui exposant beaucoup plus prosaïquement mes idées sur la manière dont j’aimerais concevoir des films musicaux, et en particulier un film avec lui. J’étais musicien ; en matière cinématographique, j’étais débutant, je n’avais qu’une expérience fort restreinte. Juste quelques idées."

"La bouteille à la mer était partie. Il lui fallait traverser l’atlantique, et trouver son mystérieux destinataire. Il fallait aussi qu’il me réponde ; je ne me faisais guère d’illusions."

Carnegie Hall, 1959

Quelques six mois plus tard, en mars 1972, sa réponse était entre mes mains. Une lettre-fleuve, une vingtaine de pages, incroyablement juvénile et enthousiaste. Il m’y disait en substance être intrigué par mes idées. Il ne voyageait plus, mais pourquoi ne viendrais-je pas, moi, lui rendre visite à Toronto ?"

"La rencontre, non pas au sens gouldien, mais au sens plus banal du terme, allait donc se produire. Rien de moins banal n’affecta jamais mon existence."

"Longfellow"

"Je travaillais tranquillement la 2ème sonate de Brahms lorsqu’il frappa vers 14 heures à la porte de la chambre de l’hôtel qu’il m’avait réservée. Hiver comme été, je ne le vis jamais autrement accoutré, dès lors qu’il devait s’aventurer à l’extérieur. Ce mois de juillet 1972 était caniculaire à Toronto, mais ni son ample manteau, ni ses écharpes, ni ses snow-boots, ni non plus cette étrange manière de tendre la main pour la retirer, à peine établi le contact avec l’extrémité des doigts de son interlocuteur, ne firent sur moi autant d’impression que cette première conversation en chair et en os. Avant ma venue à Toronto, nous avions déjà échangé quantité de lettres, et surtout longuement conversé au téléphone. Il semblait toujours disponible de son temps. Pourtant, ce n’est qu’à huit heures le lendemain matin, lorsqu’il quitta mon hôtel, que je réalisai que dix-huit heures de conversation ininterrompue s’étaient écoulées depuis qu’il avait franchi le seuil de ma chambre."

"Trois jours plus tard, après d’ailleurs m’avoir offert un somptueux récital privé (près de six heures de musiques de Schoenberg, Hindemith, Strauss et Schubert – Schubert, oui Schubert, mais ni Sonates, ni Impromptus, simplement la 5ème Symphonie !) dans le studio où il aimait enregistrer, et où était entreposé son piano, il me raccompagna à l’aéroport, me gratifiant d’un : « I will feel very comfortable making the films with you »."

tournage des Variations Goldberg - New York, 1981
Copyright KIPA, Patrick Guis

"C’est que toutes ces heures de conversation n’avaient pas été oisives ; nous avions allègrement travaillé, et la première esquisse d’un scénario pour les films que nous souhaitions tourner était prête."

"Me restait à tenter de convaincre les responsables de la musique de la télévision française. Ce n’était pas une mince affaire ! De quelle autorité disposais-je ? Et que proposais-je ? De réaliser un film avec un obscur pianiste canadien ? Voyons jeune homme, un peu de sérieux ! Aussi invraisemblable que cela paraisse, tel était bien hélas le niveau de notoriété de Gould dans la province musicale qu’était la France à l’époque. Glenn ne s’y était jamais produit au cours des neuf années de sa prodigieuse carrière publique. Quelques-uns de ses disques y avaient bien été distribués – et sauvagement critiqués - , mais avaient été retirés du catalogue depuis belle lurette, y compris celui des Variations Goldberg. Après tout, il m’avait fallu me rendre à Moscou pour entendre pour la première fois un enregistrement de Glenn, tandis que pour le reste, je m’étais fourni au Marché aux Puces. Les autres contrées d’Europe n’étaient guère mieux loties. On trouvait bien quelques disques en Allemagne, pays qui avait acclamé Gould trois années d’affilée. Mais aucun de ses enregistrements n’était non plus disponible en Angleterre, pourtant considérée comme La Mecque de la vie musicale européenne. Gould y avait donné quatre concerts en 1959, mais l’Angleterre, si elle est sensible à l’excentricité, n’avait pas perçu la profonde originalité de l’artiste originaire de ses colonies d’outre-atlantique ; on ne l’avait guère pris au sérieux."

avec l'orchestre de Detroit dirigé par Paul Paray

"Quoiqu’il en soit, la notion d’une co-production internationale n’existait pas en ces temps-là à la télévision. Tant bien que mal, je parvins à monter l’opération en à peine plus d’un an. Une année que nous mîmes à profit, Glenn et moi, pour remanier notre scénario, le reformater, l’affiner, lors d’une nouvelle visite à Toronto, et surtout par correspondance. Le projet était ambitieux. Il s’agissait de faire un film de près de deux heures et demie ; initialement, nous avions pensé à trois épisodes. Après réflexion, nous décidâmes finalement de le structurer en quatre parties, dont l’une serait traitée à la manière d’un film de fiction plutôt que d’un film documentaire. En d’autres termes, ce n’était pas tant la réalité brute que sa reconstruction qui nous intéressait. Pour le deuxième épisode, celui qui consistait à mettre en scène une séance d’enregistrement, nous allâmes même jusqu’à prévoir quelle fausse note Glenn devrait s’appliquer à faire dans la Bourrée de la 1ère Suite anglaise de Bach, de façon à rendre plausible la séquence. Pauvre Glenn, quand j’y songe ! Lui, tellement allergique aux fausses notes. Lors du tournage, il la refit consciencieusement cette fausse note, toujours la même, à chaque prise."

tournage de "La question de l'instrument" - Toronto, novembre 1979

"En revanche, et contrairement à ce qui a été écrit ici ou là, nos dialogues seraient improvisés et totalement spontanés, tout en suivant une trame dramatique parfaitement précise. Quitte à réaliser de multiples prises au contenu verbal chaque fois différent, que nous trouverions bien moyen d’unifier au montage."

"Toute la logistique d’un tournage lourd fut mise en œuvre, après que nous eûmes pris date pour le mois de septembre 1973. Précédant de quelques jours la nombreuse équipe technique parisienne qui devait me rejoindre à Toronto, j’étais déjà dans l’avion lorsque Glenn essaya de me contacter au téléphone pour demander le report du tournage. Une douleur subite à l’épaule lui interdisait momentanément de jouer du piano. J’étais consterné, mais fus bientôt réconforté par l’ardeur que mettait Glenn, depuis son cloître, à s’assurer d’une disponibilité prochaine des divers studios que nous avions depuis longtemps retenus. Mon retour à Paris fut néanmoins penaud. Les bureaucrates de la télévision française, guère convaincus de l’intérêt de mon coûteux et - à leurs yeux - douteux projet avec ce pianiste fantasque, jubilaient. L’incident du report le renchérissait , et ils tentaient d’en tirer prétexte pour le faire capoter. Nous réussîmes par miracle à vaincre leur mauvaise volonté, ainsi qu’à tout réorganiser pour le début de l’année suivante."

Glenn Gould l'alchimiste - Toronto, février 1974

"Le tournage eut lieu dans l’exaltation en janvier et février 1974, suivi du montage à Paris pendant tout le restant de l’année. Je tenais Glenn constamment informé de son évolution, par courrier et par téléphone. Lui-même, au cours de ces échanges, m’écrivit, tout en s’enquérant de l’accueil réservé par les instances appropriées à mon nouveau projet consistant à filmer avec lui les 48 Préludes et Fugues du Clavier bien tempéré de Bach : « ces quelques semaines restent parmi les plus heureuses de mon existence professionnelle »."

Glenn Gould l'alchimiste - Toronto, février 1974

"La diffusion de ces films, dont le contre-sujet (le sujet principal étant évidemment Gould lui-même) était le rapport de la musique avec les moyens de communication de masse et les techniques d'enregistrement, et au cours desquels Glenn interprétait Bach, Schoenberg, Byrd, Gibbons, Wagner, Scriabine, Berg et Webern, connut en France un retentissement considérable. Au delà des milieux musicaux, le monde intellectuel était en émoi. Dans un pays où, la veille encore, il était à peu près totalement inconnu, Glenn Gould était devenu en une seule soirée, et hors de toute présence physique, un véritable mythe."

partition du Konzert de Webern annotée par Glenn Gould - collection B.M.

"Il est vrai que nous bénéficiâmes de circonstances incroyablement favorables. Le jour de la diffusion du premier épisode, les trois chaînes que comportait la télévision française à l’époque étaient en grève. Cependant, afin que les écrans ne restent pas noirs toute une soirée, la loi imposait la diffusion simultanée sur les trois chaînes d'un « programme minimum ». C'était un samedi soir, traditionnellement réservé à des émissions de divertissement diffusées en direct. La grève rendant impossible le direct, les programmateurs s'étaient rabattus, sans nul doute à contrecœur, sur le seul film prévu ce soir-là et qu'ils diffusèrent en début de soirée. Ceux qui ne se résignaient pas à être privés de leur drogue, de leur télévision bien-aimée, n'eurent d'autre choix que de regarder un personnage étrange qui parlait de sa chaise disloquée comme de "son ami le plus proche", proclamait avec jubilation "sa foi dans l'intrusion de la technologie qui impose à l'art une dimension morale transcendant l'idée d'art elle-même" et qui jouait Bach et Wagner dans un état de transe extatique."

"Vingt huit ans ont passé depuis. Glenn n’est plus physiquement de ce monde. (L’a t-il d’ailleurs vraiment jamais été ?) Il ne semble pas que le Gould extraordinairement spontané qui se révèle dans ces documents ait rien perdu de sa magie."

A.S. Byatt, Le livre des enfants

2012-01-21T00:39:00.000+01:00

                              A. S. Byatt est un écrivain rare. Universitaire, elle choisit de présenter l’imaginaire non comme une évasion, mais comme une alternative à la vie quotidienne, créant une sorte de genre en partie réaliste, en partie expérimental, souvent qualifié d’ « hybride ». Elle a publié plusieurs romans, dont le plus connu reste Possession, adapté   au cinéma ainsi que Des Anges et des Insectes.

                       The Children’s Book débute au Victoria and Albert Museum en 1895 et se termine sur les champs de bataille de la Première Guerre mondiale, transportant le lecteur de la sécurité quasi maternelle de l’Angleterre victorienne au chaos dévastateur de la Grande Guerre. Il met en scène un groupe de familles anglaises adhérant aux idéaux progressistes de la Fabian Society et du mouvement Arts and Crafts. Le protagoniste est Olive Wellwood, auteur à succès de contes pour enfants, qui mène une vie agréable dans le sud de l’Angleterre avec son mari Humphry et leur progéniture qui ne cesse de croître : “Les enfants se mêlaient aux adultes, ils parlaient et on leur parlait… Mais, en même temps, ils avaient leur vie d’enfants […]. Ils exploraient les bois et les champs, aménageaient des cachettes et grimpaient aux arbres, chassaient, pêchaient, montaient à poney et à bicyclette, sans autre compagnie que celle d’autres enfants.” Fatalement, les idéaux des Wellwood ne leur sont pas d’une grande utilité dans les complexités de leur vie et de celle de leurs enfants – vies qui résultent souvent d’un autre dogme de l’idéal progressiste, la liberté sexuelle dans un monde d’avant la contraception.

                            Les personnages d’A. S. Byatt sont liés par leur engagement social, leur attachement à la liberté artistique et le fait qu’ils couchent les uns avec les autres. Le premier décor du roman contient un tableau du Songe d’une nuit d’été. Les constantes querelles de Titania et Obéron au sujet de l’infidélité, les identités confuses et les désirs étranges des jeunes amants, les caprices et la cruauté du monde des fées et l’intervention perturbante d’artisans ordinaires nous disent où A. S. Byatt veut en venir. Comme dans la pièce de Shakespeare, la magie et l’inventivité transfigurent et déforment la réalité. C’est tout à fait le genre de littérature hautement intellectuelle que l’on peut attendre de la part d’A. S. Byatt. Mais, cette fois, sa prose est mue par une contrariété nouvelle : l’actuel engouement pour le fantastique destiné à la jeunesse. Mme Byatt se débat avec les mêmes problèmes que J. K. Rowling : comment aborder la maltraitance des enfants, la question de la mort, en tant qu’enfant et en tant qu’adulte, et, plus profondément, que faire de la souffrance d’être parent. Il y a dans le roman une immense tristesse individuelle, qui devient une tristesse collective, historique, à mesure que le livre avance inéluctablement vers 1914. Mais la réponse d’A. S. Byatt à J. K. Rowling réside surtout dans le fait qu’elle conçoit Le livre des enfants comme un roman réservé aux adultes. L’enfance, pour Mme Byatt, n’est certes pas un pays paisible, mais c’est dans la vie adulte que les traumatismes rendent possibles les visions qui font le grand art. D’où vient la magie noire, le fantastique dangereux que réclamait A. S. Byatt ? De sous la terre. Ses personnages vivent en sous-sol, travaillent dans des mines, creusent la terre pour en extraire de l’argile et rêvent des richesses des mondes cachés, de métaux précieux et de trésors enterrés. Ce que l’on prend de prime abord pour un ensemble fortuit de décors souterrains se révèle être une vision du sous-sol comme lieu de magie et d’épouvante. Le motif atteint son point culminant à fin du roman, avec les tranchées de la Première Guerre mondiale. Sous terre, les humains deviennent inhumains. Le réel devient le fantastique, là où demeure le mal.

Pierrot Men : Chroniques malgaches

2012-01-20T00:26:00.000+01:00

La photographie africaine recèle des perles inestimables, Pierrot Men en fait incontestablement partie. Entré sur la scène internationale lors des premières Rencontres de Bamako (Mali) en 1994, le multi récompensé photographe malgache (prix Leica Mother Jones à San Francisco en 1995, médaille d’or des Jeux de la francophonie à Madagascar en 1997, prix UNEP/Canon en 2000…), sort une monagraphie intitulée Chroniques malgaches.

Ce grand amateur de jeux d’ombre et de lumière, né en 1954 et viscéralement attaché à Fianarantsoa sa ville, creuse inlassablement depuis une trentaine d’années son sillon dans la photographie humaniste, à l’affût des bribes du quotidien des malgaches qui sous son œil, se transforment en pépites de poésie, et dénichant au détour des paysages contrastés de la Grande Ile, sa matière première.

Comment sont nées ces Chroniques malgaches ?

Après avoir fait découvrir mon travail dans diverses expositions, j’ai décidé de rassembler une partie de mes clichés dans un ouvrage. Je n’ai pas choisi les photos qui y figurent suivant un thème particulier, car je ne me situe pas dans une démarche photographique dite classique. Je me sens plutôt comme un chroniqueur de la vie de tous les jours, un observateur des petits riens qui immortalise pêle-mêle, ce qui attire son regard.

La photographie n’était pas d’emblée une vocation, quel a été l’élément déclencheur ?Je suis un autodidacte de la photo. Au départ, j’étais peintre, et je me servais comme base de travail des photos de paysages et sujets que je prenais moi-même. Après une dizaine d’années à fonctionner de cette manière, sur le conseil de mon entourage proche qui trouvait que je photographiais mieux que je ne peignais, j’ai plongé dans la photographie ! Mais la peinture continue à influencer mon travail de photographe, notamment dans le choix du cadre, de la composition et de la lumière.

Comment travaillez-vous, avez –vous un matériel de prédilection ?

J’ai un véritable attachement sentimental au Leica, j’en ai trois dont un Leica M6 que j’utilise régulièrement pour mes photos en noir et blanc. Pour la couleur, j’ai adopté un Nikon numérique. Je ne fais jamais de repérages, je fonctionne au gré de mon inspiration et des rencontres. Et j’aime prendre le temps de chercher. Je revendique une approche artisanale de la photographie. J’ai juste des envies, des désirs de nouvelles rencontres. Par exemple, en ce moment j'aimerais bien photographier le nord de Madagascar.

Vos photos dépeignent pourtant souvent Fianarantsoa…

C'est vrai. On ne photographie bien que ce que l’on connaît le mieux, et pour ma part, c’est Fianarantsoa. J’y vis, j’y travaille (ndlr : dans le Labo Men, son propre studio photo).

Quand on vit à Madagascar, l’un des pays les plus pauvres de la planète, vacillant au gré des crises politiques, témoigner de la situation du peuple malgache est-il une obligation morale? Se sent-on investi d’un rôle d’ambassadeur ?

Je ne me considère pas comme un photographe de la misère, même si sur un plan personnel, je l’ai connue quand je vivais plus jeune dans la brousse. Mon rôle n’est pas de montrer la pauvreté mais au contraire, d’attirer le regard sur la dignité des malgaches. Ce que j'aime par dessus-tout, c'est de mettre de la lumière et de la poésie là où on l’on ne s’y attend pas.

Et en parlant de misère, vous savez elle est partout. Juste cette semaine, lors de mon passage à Paris, j’ai rencontré et photographié des mendiants rue de Rivoli...

Propos recueillis par Roxane Ghislaine Pierre

Pierrot Men, Chroniques malgaches, éd de l'Oeil

Seal : Soul 2

2012-01-19T00:48:00.000+01:00

Marco Barbon : Casablanca

2012-01-18T00:00:00.001+01:00

"Casablanca est une ville extrêmement complexe : multiple, chaotique, contradictoire. Le travail ici présenté ne restitue que quelques fragments de cette complexité, une nuance parmi les nuances.
Je ne peux pas dire que, dans mes différents séjours à "Casa", j'en ai épuisé les secrets. Loin de là… Refusant de planifier mes explorations photographiques, je me suis retrouvé à errer par ses boulevards, ses places et ses ruelles, visitant plusieurs fois les mêmes quartiers, arpentant souvent les mêmes parcours, guidé par mon instinct et hanté par mes obsessions. Beaucoup de monuments et de lieux notables manquent en effet dans ce livre, qu'un guide touristique ne saurait oublier. Ce côté partiel aura du moins l'avantage de laisser libre cours à l'imagination ; au "spectateur" d'en tirer parti, essayant d'imaginer les autres villes qui se cachent derrière le puzzle que ces fragments visuels donnent à voir." [...]

Marco Barbon

Marco Barbon, Casablanca, ed Filigranes

Doisneau aux Halles

2012-01-17T00:13:00.000+01:00

Avant d’être le centre commercial que nous connaissons, les Halles étaient un grand marché de Paris. L’un des artistes ayant le mieux immortalisé cette époque et cet endroit si particulier est sans doute le photographe Robert Doisneau. Une expo Doisneau sur Les Halles se tiendra à l’hôtel de ville du 8 février 2012 au 28 avril prochain.

Lou Reed & Metallica : Lulu

2012-01-16T00:04:00.000+01:00

La sortie de l'album "Lulu", né de la rencontre à New York, en 2009, à l’occasion d’un concert pour les 25 ans du Rock and Roll hall of Fame entre Lou Reed et Metallica. Inspiré de l'univers de l'écrivain expressionniste allemand Frank Wedekind, "Lulu" chante le destin tragique d'une ancienne diva tombée dans la prostitution. Lulu, c’est le mélange inattendu de l’exceptionnelle voix du leader du Velvet Undergroud Lou Reed et de la musique du plus grand groupe de métal Américain Metallica.

"Ce n'est ni un album de Metallica, ni un album de Lou Reed, précise le guitariste soliste de Metallica, Kirk Hammett. C'est quelque chose d'autre. C'est une nouvelle bête, un hybride. Personne dans notre univers du heavy métal n'a jamais fait quelque chose comme ça."

Paris la métropole et ses projets

2012-01-15T00:45:00.002+01:00

En cliquanr sur le lien titre du message vous aurez accès au site du Pavillon de l'Arsenal et télécharger l'animation sur votre ordinateur.

La nouvelle exposition permanente du Pavillon de l’Arsenal consacre plus de 800m2 à l’histoire, l’actualité et au devenir de la métropole parisienne au travers de plus de 1000 documents d’archives, photos, cartes, plans, films et d’une maquette numérique de 37m2 : Paris, métropole 2020, développée en partenariat avec Google et JCDecaux.

Première mondiale, cette maquette numérique présente, dans leur contexte géographique en 2D ou 3D, les grands territoires de projet en mutation, les nouveaux réseaux de transport et les architectures emblématiques de la ville de demain. Basée sur la technologie et la cartographie du logiciel Google Earth, Paris, métropole 2020 offre une expérience interactive unique pour découvrir la métropole dans toutes ses échelles au travers d’une navigation libre ou thématique”. Conçue pour être régulièrement complétée et actualisée, la maquette numérique est un outil participatif qui fédère les acteurs qui font la ville et rassemble dans un outil commun et partagé leurs productions.

Paris, la métropole et ses projets retrace, au fil d’un parcours chronologique, l’origine de ce territoire et raconte les histoires croisées entre les communes de la métropole pour permettre à tous de comprendre le territoire d’aujourd’hui. L’exposition offre ainsi de nombreux repères thématiques qui permettent d’expliquer la métropole structurée par des logiques agricoles, ornementales ou viaires, puis transformée, adaptée, intégrée dans un processus d’urbanisation issu de développements démographiques, technologiques, économiques et politiques.

Chacun est invité à découvrir l’actualité et le devenir “où chaque jour des projets de toutes tailles, de tous types sont discutés, échangés, partagés avec les habitants, avec celles et ceux qui la font vivre” comme l’écrit Anne Hidalgo, Première adjointe au Maire de Paris chargée de l’Urbanisme et de l’Architecture et Présidente du Pavillon de l’Arsenal, dans la préface de l’ouvrage co-produit en parallèle de l’exposition et consacré aux projets et territoires métropolitains de demain*.

Reconquérir la Seine, continuer la ville avec attention que ce soit les faubourgs ou la ville de l’après-guerre, investir et innover sur de nouvelles emprises foncières, améliorer la mobilité et les espaces publics, développer des architectures emblématiques, construire en hauteur,... Paris, la métropole et ses projets rassemble pour la première fois dans un même lieu toute l’actualité architecturale et urbaine métropolitaine.

Le Pavillon de l’Arsenal propose également autour de l’exposition des ateliers enfants en partenariat avec la Direction des Affaires Scolaires de la Ville de Paris et des visites organisées avec l’association promenades urbaines.

* Paris, la métropole et ses projets

Ouvrage co-produit avec Connaissance des Arts

44 pages, 9 euros

Le peuple de Paris au XIXème siècle.

2012-01-14T00:33:00.004+01:00

Le peuple de Paris au XIXe siècle; Des guinguettes aux barricades

Du 5 octobre 2011 au 26 février 2012

La capitale est alors en pleine mutation, touchée par l’explosion démographique, la révolution industrielle et les transformations urbaines.

Plongé dans les ruelles étroites et sinueuses de Paris, grâce à une ambiance sonore évoquant la vie de la rue au XIXe, le visiteur part à la découverte du peuple, catégorie sociale majeure et figure mythique de l’imaginaire parisien depuis la Révolution française.

Un voyage insolite au cœur du Paris populaire du XIXe siècle

Tous les aspects de la vie quotidienne sont abordés, à travers une riche iconographie, puisée notamment dans les collections du musée Carnavalet, mais aussi des documents d’archives et des objets du passé issus d’une vingtaine de musées.

Au fil d’un parcours thématique, on découvre les conditions de vie et de travail des classes populaires : Comment se logeaient-elles ? Que mangeaient-elles ? Quels étaient leurs codes vestimentaires ? Leurs distractions ?

Autour de l’art de Daumier, empreint d’humour et de tendresse, l’exposition apporte un éclairage tour à tour pittoresque, amusant, effrayant ou tragique sur le monde des chiffonniers, des migrants saisonniers, des ouvriers des faubourgs, des Apaches des fortifs’ ou des grisettes… ceux des guinguettes, du cabaret ou du bal musette. Les dernières salles sont consacrées aux peurs que fait naître ce peuple protéiforme au sein de la classe dirigeante. La précarité, l’immigration, la ségrégation urbaine, la condition enfantine sont autant de thèmes présents en filigrane. Le parcours s’achève sur les insurrections qui jalonnent le siècle et font entrer le peuple de Paris dans l’histoire.

Alexis Weissenberg

2012-01-13T00:08:00.000+01:00

Le pianiste français d'origine bulgare Alexis Weissenberg, décédé dimanche à l'âge de 82 ans, était un virtuose célèbre pour son approche rigoureuse du clavier, sa maîtrise poussée à la perfection, interprète admiré de Bach ou Rachmaninov.

Erich Maria Remarque : l'Obélisque noir

2012-01-12T00:40:00.002+01:00

Dans L'Obélisque noir, c'est le chaos de la société allemande saignée à blanc et humiliée par la défaite de la Grande Guerre qui est brossé avec beaucoup de réalisme.

Le narrateur, envoyé au front en 1916 en est revenu blessé et pacifiste convaincu. Ce jeune soldat de 25 ans qui essaie de se frayer un chemin vers un semblant de normalité, a renoncé à sa carrière d'enseignant et travaille désormais dans une entreprise de monuments aux morts et, à ses heures perdues, joue de l'orgue dans un asile psychiatrique. Dans le contexte de banqueroute de 1923, où l'inflation " atteinte de phtisie galopante " accule à la faillite les tenants " de l'épargne, de l'honnêteté et de l'honneur ", tous les coups bas et les trafics pour extorquer à la mort le plus de profit possible deviennent aisés. Mais des spéculateurs qui s'étourdissent la nuit dans l'alcool des bordels, aux rentiers, invalides et autres estropiés de l'âme qui tentent de survivre à la misère, la corruption, insidieuse mais irrémédiable, vient abîmer les valeurs comme les sentiments. Chantages, pulsions morbides, commerce tarifé et jouissance sordide de la domination, voilà à quoi se réduisent les rapports entre les hommes dans une époque traumatisée et gangrenée par les germes de " la vérole nationale-socialiste ". De cette dévaluation généralisée, chacun s'en sort alors comme il peut et règle ses comptes avec sa conscience devenue subitement " élastique ". Dans ce tableau historico-social s'exprime une violence brutale et glacée que l'humour souvent sarcastique de l'auteur ne suffit pas à désamorcer.

Pour mieux comprendre la république de Weimar et l'ascension du national socialisme on peut lire les romans d'Erich Maria Remarque dans l'ordre suivant :

"A l'Ouest rien de nouveau" qui narre la vie quotidienne dans les trachées durant la guerre de 1914, publié en 1929. avec ce roman, il sera s pris pour cible par les nazis qui l'accusent d'affaiblir le moral de la nation allemande dans ses écrits. En 1933, ses livres sont d'ailleurs brûlés à Berlin et interdits dans les bibliothèques.
"Après" peint la fresque la plus tragique et la plus poignante de l'Allemagne après la guerre de 14-18, des premiers jours de la défaite aux derniers jours de la révolution spartakiste. La déroute, l'émeute, la faim, le doute, Erich-Maria Remarque les évoque avec une âpre sincérité, une violence vengeresse.

"Les camarades" conte l'aventure de trois camarades de guerre, en proie aux difficultés de l'existence, dans l'Allemagne où le nazisme est en train de croître. Une âpre poésie chargée de détresse et de fatalité imprègne le livre tout entier. Il s'en détache une héroïne attachante et tendre, et un roman d'amour dont la brève flambée illumine de façon inoubliable un monde désolé et menaçant.

"L'obélisque noir" présenté ci-dessus.

The Who : Live at Leeds (1970)

2012-01-11T00:54:00.000+01:00

"Pourquoi l'empreinte laissée par les Who taille-t-elle deux pointures au-dessus de celle des Kinks, alors qu'ils fréquentaient le même bottier ? Plus d'une raison vient à l'esprit : affiliation claire au mouvement mod, duo de managers efficace (Kit Lambert et Chris Stamp, cohésion scénique indispensable au tournant des 70's. Pour résumer d'un trait, les Who étaient un groupe mieux dessiné. Un binôme de tête aux rôles bien répartis : Townshend écrit, Daltrey chante. Pete-le-cerveau moulinant Rickenbacker, Roger-la-voix laissant pousser ses boucles et voler son micro. Derrière, un bassiste parfaitement taciturne, John Entwistle. Un batteur génialement turbulent, Keith Moon : roulements de caisse et d'yeux, sens inné du chahut. Et galope l'attelage, inchangé pour une décennie et quelque." François Gorin

Sonic Youth : the year punk broke 6/6

2012-01-10T00:35:00.000+01:00

The Year Punk Broke vostfr part 6/6 par NoiseNews

Cyndi Lauper to Memphis with love

2012-01-09T00:00:00.000+01:00

Hans Fallada : seul dans Berlin

2012-01-08T00:37:00.002+01:00

"Mai 1940, on fête à Berlin la campagne de France. La ferveur nazie est au plus haut. Derrière la façade triomphale du Reich se cache un monde de misère et de terreur. Seul dans Berlin raconte le quotidien d'un immeuble modeste de la rue Jablonski, à Berlin. Persécuteurs et persécutés y cohabitent. C'est Mme Rosenthal, juive, dénoncée et pillée par ses voisins. C'est Baldur Persicke, jeune recrue des SS qui terrorise sa famille. Ce sont les Quangel, désespérés d'avoir perdu leur fils au front, qui inondent la ville de tracts contre Hitler et déjouent la Gestapo avant de connaître une terrifiante descente aux enfers. De Seul dans Berlin, Primo Levi disait, dans Conversations avec Ferdinando Camon, qu'il était " l'un des plus beaux livres sur la résistance allemande antinazie ". Aucun roman n'a jamais décrit d'aussi près les conditions réelles de survie des citoyens allemands, juifs ou non, sous le IIIe Reich, avec un tel réalisme et une telle sincérité."

CHICAGO

2012-01-07T00:00:00.001+01:00

Belle réédition à petit prix des premiers albums du groupe Chicago Transist Authority en un seul coffret.

Chicago est un groupe de rock, Pop rock et de Jazz-rock fusion américain formé en 1967 à Chicago, dans l'Illinois, aux États-Unis sous le nom de The Chicago Transit Authority, du nom de la compagnie gérant les transports en commun dans la ville de Chicago. Celui qui en parle le mieux, c'est François Gorin sur son blog disques rayés

"Vous avez cinq ou six albums. On vous en offre un auquel vous n'auriez jamais pensé. Encore aujourd'hui, trente-sept ans après, il ne serait sans doute pas là, parmi les milliers. Forcément, vous l'écoutez beaucoup. C'est un ami d'enfance. Vous lui devrez toujours quelque chose. Vous ne le renierez pas sans un soupçon de honte et le jeter vous fera un peu mal. Donc vous le gardez. Vous palpez le grain de sa pochette intérieure juste un peu froissée. Vos yeux glissent sur la calligraphie des crédits. La photo de ces types dont vous ignoriez tout. Alignés debout, pas souriants. Nombreux. Pourraient être aussi bien fermiers, joueurs de baseball ou mécaniciens. Le nom du groupe était un logo décliné à chaque album par les graphistes-maison (CBS). Au début, ils s'appelaient Chicago Transit Authority. Pas très glamour. La musique pétait et trompettait de tous ses cuivres, elle vous semblait quand même un peu ronronner. De manière très américaine. Ultra-professionnelle. Seriously entertaining. Plusieurs des musiciens chantaient. Ils faisaient ça naturel et bourru, comme si ce n'était pas une telle affaire. Ni note en trop, ni geste déplacé. Tout nickel-chrome. Juke-box de routiers, rock de musicos joué par les roadies, plus sonnant que bruyant. Au milieu de cette honnête démonstration de savoir-faire, dosant avec une application débonnaire swing et songwriting, brillait discrètement Jenny. Comment deviner que Chicago VI ne serait pas, au bout du compte, le sommet de leur discographie ? Je n'avais d'ouïes que pour Jenny. Terry Kath chante. C'est qui déjà, sur la photo. Le chevelu à moustache ? Il y en a six. Il fait aussi un chorus de guitare. Devait-il l'aimer sa Jenny, pour lui cueillir un bouquet pareil… Son gouleyant contre voix rugueuse, avec elle. Je l'aimais aussi, Jenny, vouée à rester une de ces amies d'enfance. Et puis Feelin' Stronger Everyday (Cetera-Pankow). Et Hollywood (Robert Lamm)… Hé, il n'était pas si mal, cet album. "

"Avant d'avoir Chicago VI, je connaissais 25 or 6 to 4. Tout le monde la connaissait. Elle passait à la radio, même chez nous. Venait de 1970 : deuxième album du groupe, Chicago II. Un de ses premiers tubes. Versant commercial d'un ensemble de sept musiciens qui s'était payé le luxe de débuter par un double affichant des goûts pervers pour le jazz, les rythmes latinos, et même la musique classique ! L'ironie du sort veut que Chicago, aujourd'hui classé par les encyclopédies sous l'intitulé fusion (ça ne mange pas de pain), ait émergé dans les années où la bannière rock devenait universelle."

"Ce qui distinguait ces gars-là de leurs contemporains sous influence pop et soul, c'est de compter pour hommes de base des joueurs de trombone (James Pankow), trompette (Lee Loughlane) ou saxophone (Walter Parazaider). Dans le son triomphant de 25 or 6 to 4, les cuivres évidemment vous sautent à la figure. La voix de Peter Cetera est un peu forcée mais ce n'est pas l'essentiel – comme chanteurs, les Chicago étaient assez interchangeables. Terry Kath fait un numéro d'enfer hendrixien à la guitare, option wah-wah, un de ces trucs qui datent irrémédiablement le morceau, et c'est aussi pour ça qu'on leur garde une affection particulière, à ces chansons d'époque : elles ne visent pas du tout à être intemporelles, et durent aussi par accident."

"25 or 6 to 4 est un titre qu'on retient facilement, avec tous ces chiffres. Ignorer ce que ça veut dire n'est pas un handicap. Waiting for the break of day… searching for something to say… Robert Lamm, l'auteur (et clavier du groupe), a toujours dit que c'était a song about writing a song. Très tôt le matin, donc. Vingt-cinq ou vingt-six minutes avant quatre heures. Mais il y a aussi : flashing lights against the sky… giving up I close my eyes… Depuis quarante ans les fans s'étripent, certains persuadés que ça raconte un bon vieux trip à l'acide. Should I try to do some more… 25 or 6 to 4… Un score écrasant."

"Mais alors, Chicago ? Une ville, une chanson de Sinatra, un musical, le mauvais remake qu'on en a fait ? Un septet à composition variable, 1967 à nos jours. Prog-beauf, post-Motown, Midwest mi-jazz, Beatles-free, latino-freak, sophistico-bourrin, fanfare psych-out, kentucky fried music, variété all-american ? Je vous en prie, ajoutez-en une encore… Portant son lieu d'origine en étendard logoïfié, bientôt trompeur : Chicago est devenu en quelques années un groupe californien. Enregistrant au Caribou Ranch, sept nains poussés ogres et, pour veiller sur eux, un drôle de Blanche-Neige : James William Guercio. Intéressant personnage : il a aussi produit Moondog et réalisé un film, un seul mais qui vaut le coup d'œil : Electra Glide in blue. Road movie pas banal, belle et curieuse photo d'époque où les méchants hippies existent et le héros est… un flic à moto. Peter Cetera joue un petit rôle."

"C'est en 1973, l'année du VI. Un album qui, j'allais l'oublier, donna un générique à France Inter avec le riff cuivré de What's this world comin' to. Le VII est à nouveau un double (on mange bien, chez Chicago). Dans ses sables mouvants, quelques pépites. Wishing you were here invite aux chœurs Al Jardine, Carl et Dennis Wilson. Effet garanti. Bonnes vibrations. D'une honnête chanson, voici une chorale à faire fondre un biker à sa douzième Bud. Ne pas sous-estimer l'importance des Beach Boys dans le rock américain des 70's. Attention, Chicago avait prévenu. Dès leurs premiers albums, jolies choses mellow flirtant côté Burt Bacharach, tempo relâché, harmonies CS&N, séquelles de Got to get you into my life, et généralement des tournures qu'on retrouve, à peine plus raffinées, chez Steely Dan. Gasp, voilà un bout d'explication de ma passagère affection pour ce gang pileux, lâché quand il vira Bee Gees (If you leave me now, l'album chocolat) : c'était le Dan encore inconnu que j'aimais en eux. Qui se dévoue pour énumérer les changements de personnel ?"

The Who : Quadrophenia

2012-01-06T00:42:00.000+01:00

"Après un copieux Live at Leeds en 2010, c'est au tour de Quadrophenia, l'ultime opéra rock de Pete Townshend et dernier enregistrement majeur des Who, de recevoir les honneurs d'une édition de luxe. Nombre de coffrets de poids pour fans en fonds se résument trop souvent à de beaux objets n'apportant pas grand-chose à l'oeuvre originale, mais ce Director's Cut méticuleusement agencé par Townshend en personne se distingue."

"A sa parution, en 1973, le double album pouvait laisser sceptique. Après l'urgence des singles sixties, le souffle mélodique du peu compréhensible Tommy, le déluge sonique hendrixien de Live at Leeds et la flamboyance épique de Who's next, Quadrophenia, par sa trame complexe, ses envolées progressives (forte présence du synthétiseur) et, surtout, un son qui manquait d'éclat, présentait des Who en panne d'énergie. Est-ce le recul historique, un travail remarquable de remastérisation, une foison de démos initiales (très abouties) ou l'épais ouvrage richement illustré contenant un texte fouillé de Townshend qui nous font redécouvrir l'oeuvre aujourd'hui ? Tout cela à la fois. Quadrophenia, le récit d'une quête existentielle, celle de Jimmy, jeune mod en colère (un peu beaucoup Townshend), qui voyait sa personnalité exploser en quatre (celles on ne peut plus opposées des membres du groupe), sa soif d'absolu se dissolvant dans la réalité d'un monde adulte que l'on rejoint inexorablement."

"Quadrophenia ne raconte rien d'autre que ça : l'impossibilité de faire perdurer la révolte, la vigueur et l'intensité de ses jeunes années. Un constat qui semblait frapper les Who, héros mods dont la profession de foi fut : « J'espère mourir avant d'être vieux. » Quadrophenia résonne comme un baroud d'honneur en forme de mélancolique mais lucide observation : il signale la fin de l'utopie d'une musique éternellement enragée et immature. Un manifeste plus pertinent que jamais."

Hugo Cassavetti Telerama n° 3232 - 24 décembre 2011

Alfred Doblin : Berlin Alexanderplatz

2012-01-05T00:27:00.001+01:00

"Ce roman, que la rumeur a rendu mythique depuis sa parution en 1929 à Berlin, est devenu l'archétype du classique moderne ; il a acquis ce statut pour la langue allemande parallèlement au Ulysse de James Joyce pour la langue anglaise sensiblement au même moment, et l'analogie n'est pas gratuite tant ils ont formellement partie liée."

"A première vue, il s'agit de l'histoire de Franz Biberkopf, comme indiqué en sous-titre ; et afin que nul n'en ignore, sa biographie est résumée en liminaire par l'auteur-même : un ancien débardeur et cimentier qui retourne à Berlin sur les lieux de ses ennuis d'autrefois aussitôt libéré de prison ; il veut devenir honnête mais replonge au contact de Reinhold, un souteneur ; son parcours est une suite d'aventures dans la cruauté de la vie, à l'issue duquel il affronte ses démons intérieurs ; en mettant de l'ordre dans son chaos, il prend encore des coups mais en sort debout, résigné."

"Voilà Berlin Alexanderplatz, livre dont l'onde de choc fut si durable qu'elle éclipsa injustement le reste de l'oeuvre de son auteur. On pourrait le dire et le poursuivre ainsi et on n'aurait rien dit de ce roman picaresque, épique, baroque, romantique, fruit de toute ces traditions littéraires mêlées, dont la ville est le personnage principal tant et si bien qu'on a pu dire de son auteur qu'il avait fait entrer la rue et son ambiance dans le roman moderne. Il est vrai qu'on ne voit et qu'on n'entend qu'elle, grouillante, vociférante, effrayante, bruyante. Une cacophonie admirablement maîtrisée par la syntaxe. La ville en sa misérable majesté, la rumeur des quartiers Est et ses petites gens qui ne sont pas sans rappeler ceux du Seul dans Berlin de Hans Fallada."

"On sent l'âme d'Alfred Döblin à toutes ces pages, son énergie créatrice bien sûr, mais surtout sa détresse, sa tristesse, son chagrin, sa souffrance, son désespoir ; car on a rarement vu un écrivain aussi isolé, par sa conversion au catholicisme que Brecht assimila à une trahison, par sa dénonciation du rôle des intellectuels dans la prise du pouvoir par Hitler qu'ils ne lui pardonnèrent pas, par son retour en Allemagne en 1945 sous l'uniforme français que les Allemands n'acceptèrent pas, par son internement dans un hôpital psychiatrique près de Fribourg où l'ancien psychiatre s'éteignit dans des conditions atroces (son fils cadet Stephan Döblin raconte cette constante mise à l'écart dans l'entretien qu'il a accordé à Eryck de Rubercy pour la dernier numéro de La Revue des deux mondes). L'hallucinant chapitre sur les abattoirs de Berlin, d'autres morceaux d'anthologie encore, empoignent le lecteur et le bousculent jusqu'à le frapper parfois. Mais qu'il se rassure : Berlin Alexanderplatz est l'un des rares romans qu'on peut ouvrir à n'importe quel page, lire pendant une heure ou deux, abandonner et reprendre ailleurs sans en gâter le plaisir."

Source La République des livres.

Philip Kerr : La trilogie berlinoise

2012-01-04T00:19:00.000+01:00

Publiés pour la première fois dans les années 1989-1991, L'été de cristal, La pâle figure et Un requiem allemand évoquent l'ambiance du IIIe Reich entre 1936 et 1938 puis dans ses décombres en1947. Ils ont pour héros Bernie Gunther, détective privé, désabusé, courageux, perspicace et insolent, il est à l'Allemagne nazie ce que Phil Marlowe était à la Californie de la fin des années 30 : un homme solitaire témoin de la cupidité et de la cruauté humaines, qui nous tend le miroir d'un lieu et d'une époque.

Des rues de Berlin « nettoyées » pour offrir une image idyllique aux visiteurs des Jeux olympiques, à celles de Vienne la corrompue, théâtre après la guerre d'un ballet de tractations pour le moins démoralisant, Bernie va enquêter au milieu d'actrices et de prostituées, de psychiatres et de banquiers, de producteurs de cinéma et de publicitaires.

Quel bonheur que cette réédition de cette Trilogie berlinoise de Philip Kerr. Ersatz de Sam Spade ou du Gittes du Chinatown de Polanski égaré dans le régime nazi, le privé Bernie Gunther, témoin de la corruption, des luttes intestines du parti nazi, ou des sinistres lendemains de l'après-guerre, n'en finit pas de glisser du cynisme au désabusement. Les plus noirs des romans historiques, les plus historiques des romans noirs, les trois récits de Philip Kerr nous baignent dans le quotidien méconnu, parce que non caricaturé, de l'Allemand ordinaire et désorienté au coeur de l'ambiance oppressante du IIIe Reich.

Till Fellner joue Bach

2012-01-03T00:37:00.000+01:00

Merci à Yann pour ce beau cadeau.

Promenade d'hiver à La Charse et ailleurs

2012-01-02T03:18:00.001+01:00

La Ruade

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Promenade autour de La Charse.

BONNE ANNEE 2012

2012-01-01T00:00:00.002+01:00

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Le jardin d'Isabelle avec des habits de fête, pour vous présenter ses meilleurs voeux pour 2012

Derniers clichés parisiens

2011-12-31T00:42:00.001+01:00

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Derniers clichés creusois

2011-12-30T00:36:00.001+01:00

Le départ de la promenade au Peux.

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La ferme de Massoux.

L'étang de St Yrieix les Bois

L'étang de St Yriex les Bois

Paysages du Peux

Dan Tepfer : Variations Goldberg

2011-12-29T00:49:00.000+01:00

A deux pas de chez moi

2011-12-28T00:36:00.000+01:00

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Palais Royal

2011-12-27T00:26:00.000+01:00

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Noël givré en Creuse

2011-12-26T00:00:00.001+01:00

Joyeux Noël

2011-12-25T00:00:00.000+01:00

Welcome in Vienna & Schubert

2011-12-24T00:29:00.001+01:00

L'adagio du quintette à cordes D956 de Schubert est, à mes yeux, l'un des morceaux les plus beaux et les plus émouvants de l'histoire de la musique. Il accompagne la trilogie d'Axel Corti Welcome in Vienna.

Deux autres belles versions en ma possession.

Illustration musicale :

Welcome in Vienna d'Axel Corti

2011-12-23T00:30:00.001+01:00

A sa sortie, en 1986, le film du grand homme des médias autrichien Axel Corti a créé une petite révolution : inspiré de la vie de son scénariste, Stefan Troller, « Welcome in Vienna » ouvrait la plaie mal refermée (et jamais reconnue) du passé nazi de l’Autriche. Suivant la trajectoire d’un juif viennois s’étant échappé in-extremis du continent européen pour revenir le libérer sous l’uniforme américain, ce chef d’œuvre de nuances et d’histoire ressuscitée montre également combien les juifs n’étaient pas bienvenus dans l’Autriche d’Après-Guerre où, se considérant comme les premières victimes de l’Allemagne avec l’Antschluss (1938), les Autrichiens sont tranquillement restés antisémites dans leur ensemble, faute d’avoir réfléchi sur leur attitude durant les années noires. Véritable trésor de cinéma et d’humanité, « Welcome in Vienna » ressort sur les écrans français le 30 novembre. Précédé des deux « épisodes » qui froment en réalité les deux premières parties du film : (1) « Dieu ne croit plus en nous » qui retrace l’exil des réfugiés de Prague à Marseille, en passant par Paris et les camps d’internement Français. (2) Et « Santa-Fé » qui présente l’arrivé et la difficile intégration des réfugiés germanophones en terre américaine « promise ».

Grand homme du Burgtheater de Vienne et de l’ORF (télévision publique autrichienne), Axel Corti (1933-1993) est également un des plus grands réalisateurs autrichiens. Dans les années 1970, il commence avec son scénariste Georg Troller une longue enquête sur les racines de l’antisémitisme autrichien. Après un documentaire dédié à Hitler et un autre à Freud, le tandem décide de s’inspirer de la vie extraordinaire de Troller, émigré d’Autriche à l’adolescence, réfugié in extremis aux États-Unis et revenu à sa Vienne natale en tant que soldat de l’armée américaine. Le film s’intitule « Wohin und Zuruck » (« Là bas et de retour ») ou « Welcome in Vienna ». Filmée en noir et blanc, de manière à insérer en douceur des images d’archives, et délicatement relevée par quelques notes de la quintette en ut majeur de Schubert, la trilogie suit avec réalisme le périple douloureux de réfugiés quittant Vienne pour fuir les nazis. Elle montre comment ceux-ci traversent l’Europe en quête d’un abri, et – pour ceux qui y parviennent- mendiant mille visas et laissez-passer pour recommencer leur vie sur le Nouveau Continent. L’objectif de Corti et Troller est de montrer des « réfugiés ordinaires » perdus dans la masse de ceux et celles à qui l’on a soudainement retiré tout « droit de l’homme » avec leur citoyenneté autrichienne.

PARTIE I : DIEU NE CROIT PLUS EN NOUS

Vienne 1938 : après la Nuit de Cristal et le meurtre de son père par les nazis, Ferry Tobler, un adolescent juif, fuit l'Autriche. Avec un laissez-passer difficilement acquis, il échoue à Prague. Là, Il y fait la connaissance de Gandhi, soldat allemand anti-nazi échappé de Dachau, et d'Alena, une tchèque chargée d'assister les réfugiés. Ensemble et avec d'autres immigrants juifs, ils parviennent jusqu'à Paris. Mais, sans papiers, ils sont arrêtés et internés par les autorités françaises dans le camp de rétention de Saint-Just-en-Chaussée. Profitant du chaos qui suit l'invasion allemande, ils s'échappent et tentent de rejoindre Marseille dans l'espoir de s'embarquer pour les Etats-Unis.

Welcome in vienna - Partie 1: Dieu ne croit plus... par toutlecine

PARTIE II : SANTA FE

New York 1940 : le Tonka arrive avec à son bord nombre de réfugiés épuisés. Parmi eux, Ferry Tobler, embarqué à Marseille après avoir fui l'Autriche, et Freddy Wolff, un jeune compatriote. L’entrée en Amérique est problématique pour tous ces émigrants sans papiers. L’accueil des rescapés du nazisme est loin d’être facilité par les autorités américaines. Ferry Tobler se noie accidentellement en tentant de secourir une jeune femme, qui a tenté de rejoindre les quais à la nage afin d’échapper aux contrôles des services d’immigration. Freddy Wolff rêve d’un nouveau départ dans le mythique Far West. Mais en réalité, il se retrouve confronté à l’isolement intense de la vie d’immigré sans ressources. Au sein de sa communauté, il sympathise avec Popper, photographe de talent réduit à la photo d’identité. Il trouve un travail de vendeur dans une delicatessen, et noue une relation amoureuse avec la fille de son patron. Freddy rêve de l’emmener à Santa Fe. Mais sa position, comme celle de ses semblables, est vite intenable : naguère persécuté en Autriche en tant que juif, puis stigmatisé comme immigré à New York, il est bientôt assimilé à l'ennemi allemand dès l'entrée en guerre des Etats-Unis. Il décide alors de s'engager dans l'armée américaine pour regagner l'Europe et combattre le nazisme.

Welcome in Vienna- Partie 2: Santa Fe Extrait par toutlecine

PARTIE III: WELCOME IN VIENNA

Europe 1944 : à Vienne, la guerre est terminée. Freddy Wolff et Georges Adler, émigrés aux Etats-Unis mais d’origine autrichienne et allemande, sont devenus soldats de l’armée américaine. Vienne est en ruines et divisée en quatre zones, le marché noir y règne en maitre. L’Autriche se présente comme une victime innocente du nazisme et refuse d’en prendre conscience. Les gens s’adaptent tant bien que mal au système sauf Freddy qui refuse l’hypocrisie générale et souffre malgré tout de son amour pour la jeune actrice Claudia.

Welcome in Vienna- Partie 3: Welcome in Vienna... par toutlecine

PROGRAMMATION

A PARIS, à partir du 30 novembre 2011 au MK2 Beaubourg. 50, rue Rambuteau - 75003 Paris. Et au Cinéma l'Arlequin. 76 rue de Rennes - 75006 Paris.
A RENNES, à partir du 30 novembre 2011 au Ciné TNB. 1, rue Saint-Helier - 35000 Rennes.
A MARSEILLE, à partir du 30 novembre 2011 aux Variétés. 37, rue Vincent-Scotto (angle Canebiere) - 13001 Marseille
A ROUEN, le 30 novembre 2011 au Melville. 75, rue du Gal Leclerc - 76000 Rouen.
A BORDEAUX, à partir du 30 novembre 2011 à l'Utopia Saint-Simeon. 5, place Camille-Jullian - 33000 Bordeaux. A LYON, à partir du 30 novembre 2011 au Cinéma Comoedia. 13, avenue Berthelot - 69007 Lyon.
A MONTPELLIER, à partir du 30 novembre 2011 au Diagonal-Capitole. 5, rue de Verdun - 34000 Montpellier.
A GRENOBLE, à partir du 30 novembre 2011 à La Nef. 18, boulevard Edouard Rey - 38000 Grenoble.
A NANTES, à partir du 30 novembre 2011 au Concorde. 79, boulevard de l'Egalité - 44000 Nantes.
A TOULOUSE, à partir du 07 décembre 2011 à l'Utopia. 24, rue Montardy - 31000 Toulouse.
A SAINT-OUEN-L'AUMONE, à partir du 07 décembre 2011 à l'Utopia Stella. 1, place Pierre-Mendes-France - 95310 Saint-Ouen-l'Aumone.
A STRASBOURG, à partir du 07 décembre 2011 au Star. 27, rue du Jeu-des-Enfants - 67000 Strasbourg.
A BRIVE, à partir du 14 décembre 2011 au Rex. 3, boulevard du Général Koenig - 19100 Brive-la-Gaillarde.
A LILLE, à partir du 04 janvier 2012 au Majestic. 54, rue de Bethune - 59000 Lille.
A SAINT-JEAN D'ARVES, du 21 au 27 janvier au cinéma Les Aiguilles. Lieu dit La Chal - 73530 Saint-Jean d'Arves.
A AMIENS, du 01er au 15 février 2012 au Studio Orson Welles. 2, place Leon Gontier - 80000 Amiens.

Entretien avec Axel Corti & Georg Stefan Troller

2011-12-23T00:10:00.000+01:00

Extra i ts d’un e n tret i e n a vec Ax e l Corti paru dans l a revue Pos i t i f e n n o vembre 1 9 8 6

Avant Welcome qu'avez vous réalisé ?

J’ai fait entre autres deux films avec Georg Troller, le scénariste de Welco me in Vienna.

L’un qui cherche à suivre tous les chemins qui mènent à Hitler, à retracer la genèse

et la jeunesse du nazisme, ses sources jusqu’en 1914, jusqu’à l’explosion de la guerre.

Avec Georg, on a cherché les influences, traqué l’antisémitisme catholique autrichien.

C’est Hitler, un jeune homme originaire de l’Innviertel. Ensuite on a fait la même chose

pour Freud. Le film s’appelle Le Jeune Freud. Après coup, nous nous sommes dit que

nous avions parlé sans l’avoir voulu des deux autrichiens qui ont le plus influencé ce siècle.

Après ces deux films, les producteurs voulaient que l’on continue ensemble avec d’autres

personnages historiques, Mussolini par exemple. Je n’avais plus envie de faire de films

biographiques. Alors j’ai dit à Troller : « Écris quelque chose de toi-même, qui vienne de

l’intérieur. » Et il m’a mal compris, comme il m’avait beaucoup parlé de sa jeunesse, comme

il m’avait raconté son histoire, il a cru que je voulais qu’il écrive un film sur lui-même, alors

que j’attendais qu’il l’invente.

C’est ainsi qu’il a écrit An uns glaubt Gott Nicht mehr / D ieu ne croit plus en nous

dont le titre est tiré d’un poème de Franz Werfel, l’auteur des « Quarante jours du Musa Dagh »,

le premier volet de notre trilogie.

Le premier film se passe aux trois-quarts en France, il parle de la situation des émigrants

en France. Il commence en 1938 en Autriche, puis c’est la Tchécoslovaquie et, après

l’arrivée d’Hitler à Prague, la France et les camps d’internement, à Paris et dans la zone

non occupée quand les allemands entrent dans la capitale. Cela devrait être intéressant

pour le public français car c’est très près de son histoire. Le film a été un très grand succès

en Autriche, mais aussi en Allemagne et en Suisse, mais n’a pas été distribué en France.

Nous avons eu envie de faire une deuxième et une troisième partie. Avec l’argent que j’ai

réuni, j’ai réussi à faire les deux films à la fois. C’est-à-dire que j’ai fait des acrobaties

incroyables pour tourner ensemble la deuxième et la troisième partie. D’abord, c’était

l’Amérique – bien sûr qu’on a filmé à Vienne – parce que SANTA FE, notre deuxième volet,

se passe presque entièrement à New York. Puis c’était Vienne pour WELCOME IN VIENNA.

On tournait trois jours l’un, puis on passait à l’autre. Et ainsi de suite. C’était la même

époque, le même climat.

Quelle a été la part de l’Autriche dans le nazisme ?

Lors de la Conférence de Moscou de 1943, les Alliés ont décidé que l’Autriche était la

première victime d’Hitler. Eh bien ! D’un côté c’est vrai, mais de l’autre, cette victime

avait les bras bien ouverts quand Hitler est arrivé. Pas tout le monde. Bien sûr, beaucoup

d’autrichiens n’étaient pas des nazis. Beaucoup furent tués. Mais beaucoup aussi étaient

des nazis. Et dès avant 1938. Ce n’est pas un hasard si de nombreux chefs de camps de

concentration, des gens assez primaires, étaient des autrichiens, nazis illégaux avant 1938.

(Ce sont ces nazis qui ont tué Dollfuss en 1934.) Ils étaient en prison ou bien, s’étant évadés,

ils avaient gagné l’Allemagne, accueillis comme des héros, intégrés tout de suite dans les

S.S. où ils ont fait des petites carrières. Après 1945, les autrichiens ont dit : « N ous sommes

libérés. Les nazis, c’étaient les allemands. » Ils ont soulevé le tapis et ont mis toute la boue

dessous. Elle y est encore aujourd’hui. Seulement les bosses deviennent un peu hautes ça

et là… Et nous sommes un certain nombre à trébucher dessus. C’est pour ça que je raconte

cette histoire. C’est l’histoire de mon pays.

Et je trouve que ces films ne sont pas une histoire didactique, ni une histoire journalistique

à mettre à la une pour faire la morale. Je raconte une histoire d’êtres humains. Je trouve

que cette situation de refoulement, comme on le dit chez Freud, est insupportable, qu’on

ne peut la laisser ainsi.

Et comment a été accueilli le film en Autriche ?

La population a incroyablement réagi au film. Il y a eu des bagarres… Il y a eu des réactions

contre, pas beaucoup mais quelques-unes, rien dans les journaux, à la télévision ou à la radio.

Et je trouve que ces films ne sont pas une histoire…

Entre tien avec Georg Stefan Troller, scénariste

Quelle est la part autobiographique de ces trois films ?

Ils sont tous autobiographiques. Il est évident que nous avons fait des changements parce qu’un

film diffère toujours un peu de la réalité. Mais de manière générale, il s’agit à 70 ou 80% de ma vie.

Je pensais que grâce à des mots, des phrases que j’ai utilisées, les gens qui les avaient écoutées

ou prononcées se mettraient en rapport avec moi… Mais rien… Pas un seul, bien que je les ai

nommés souvent par leur propre nom, ne m’a appelé...

Quelle était votre démarche ?

Il était important pour moi de montrer des gens ordinaires, pas des célébrités, pas de grands

intellectuels : des personnes « comme tout le monde ». Et de les montrer comme des êtres

humains aussi héroïques et aussi bêtes que tout le monde parce que c’est ça, pour moi, le sens

de cette histoire. On n’était personne, à la fois pour les autorités en France ou aux Etats-Unis,

mais aussi pour les gens qui nous entouraient. On n’était rien, on était sans importance.

Ce que je voulais faire ressentir au spectateur c’était l’ironie du sort, de notre sort. Rien n’avait

de sens.

En France, on nous considérait comme des parasites qui prenaient toute la nourriture

bien qu’on mangeait très peu, qui prenaient le travail des autres, bien que c’était strictement

défendu d’avoir un emploi !!!

Pour moi, l’un des personnages qui illustre le mieux cette « ironie », c’est Gandhi

(Armin Mueller-Stahl) qui n’était même pas juif, ni communiste non plus. Il se désignait comme

un aristocrate déchu qui, par haine du nazisme avait fuit l’Allemagne.

Comme beaucoup d’allemands réfugiés, il s’est d’abord fait arrêter par de jeunes français

qui le considéraient comme un espion allemand, puis il a été livré au début de l’Occupation

par les autorités françaises aux allemands comme ennemi d’état. Il en est mort. J’aimais

beaucoup Gandhi.

L’ironie dans toute cette histoire de transfuges, c’est le sentiment dominant qui m’en est resté.

Rien n’avait de sens, plus rien ne correspondait à une réalité quelconque. Par exemple, il fallait

un visa de sortie de France, alors que les français n’avaient qu’un seul désir : vous pousser

en-dehors des frontières. Dès que les allemands étaient en France, il fallait un visa de sortie,

bien que ce dernier fût presque impossible à obtenir.

Les premières semaines, nous, les réfugiés, étions dans un camp d’internement à côté

de Boulogne, ensemble avec l’équipage d’un paquebot allemand qui avait été arrêté au Havre.

C’étaient tous des nazis ! Mais les autorités françaises du camp préféraient de loin les nazis

à nous. Ils ont été renvoyés en Allemagne pour compléter l’équipage de leur flotte sous-marine.

On rendait à l’Allemagne des ennemis dangereux tandis qu’on nous gardait en détention,

nous qui n’avions qu’un seul désir : nous battre pour la France.

Alors, on s’est échappé, Gandhi et moi. Mais nous avons vite été rattrapés par les allemands

qui envahissaient la France. On a fait de l’autostop et c’est un motocycliste de l’armée allemande

qui s’est arrêté pour me prendre. J’ai prétendu être un civil allemand et non un réfugié juif

bien sûr. J’ai eu tellement peur que j’ai dit au soldat : « E coute camarade, tu peux m’attendre

une minute, je dois juste faire mon besoin dans ce bois là-bas… » J’y suis allé et j’ai déchiré tous

mes papiers par peur qu’on me rattrape.

Après, bien évidemment, je n’avais plus aucun papier. C’était une situation atroce.

On me demandait : « Pourquoi vous n’avez pas de papiers monsieur ?». L’ironie c’est le sentiment

qui s’est insinué alors en moi et qui ne m’a plus quitté.

Dans cette première partie, on voit un camp d’internement en France pour étrangers.

C’est une chose qui est assez méconnue en France et c’est même, à ma connaissance, la seule

fois où l’on voit au cinéma un de ces camps d’internement. Dans quelles conditions avez-vous

été interné dans ce camp et quelle était votre vie pendant ces 9 mois ?

Nous étions allés à Boulogne-sur-Mer, car nous avions un visa pour l’Uruguay.

On nous avait dit, à la préfecture de Paris : « I l faut aller dans un port pour attendre un bateau

qui vous amène en Amérique du Sud ». Il n’y avait plus de bateau bien sûr. Mais il fallait aller

à Boulogne-sur-Mer, ou à Ambleteuse à côté, car c’était moins cher.

La guerre éclate ; le maire nous dit alors : « M on Dieu, vous êtes des gens convenables,

vous ne courrez aucun danger ».

Deux jours après, il y avait de grandes affiches avec le message suivant : « Tous les étrangers

munis d’une couverture, avec de la nourriture pour deux jours doivent se présenter... ».

Tous les étrangers, notamment les hommes (depuis Napoléon, les femmes ne sont pas

dangereuses, ne comptent pas, ce sont les hommes seulement).

Alors, j’ai fait cinq de ces camps d’internement dans le Nord : à Hesdin, à Boulogne,

à Ambleteuse, les autres je ne m’en rappelle pas… C’étaient les bâtiments de colonies

de vacances, d’usines ou encore des casernes toujours sales. On était toujours 5, 6, 7, 20, 30

dans une seule pièce. Il y avait toujours de la paille pourrie, mais aucune radio, aucun livre,

aucun journal.

On a même été forcé de rendre nos montres parce qu’on aurait pu donner des signaux aux

Stuka allemands pour leur dire « Attention c’est ici qu’il faut lâcher les bombes ! ». Cette idiotie

des gens qui ne pouvaient pas comprendre qui on était... Ils s’en fichaient d’ailleurs qu’on n’ait

jamais assez à manger, qu’on ne puisse pas recevoir de courrier. Tout était défendu !

On nous a parlé pendant neuf mois d’une commission rogatoire qui allait nous libérer, et séparer

les vrais nazis des réfugiés. Elle ne s’est jamais réunie, cette commission. Pendant neuf mois,

on nous disait : « La commission arrive, elle arrive ». Rien. Et ensuite l’armée allemande est

arrivée et nous nous sommes évadés.

On a fui, contrairement aux « braves gens » - j’entends par là, la plupart des internés

qui sont restés dans le camp parce qu’ils ne savaient pas quoi faire. Ils n’étaient pas aventuriers

comme nous. Ces braves gens, on les a envoyés à Auschwitz.

Qui étaient ces internés exactement ? Etaient-ils principalement issus d’Allemagne ?

C’étaient presque tous des réfugiés, il y avait aussi quelques communistes et des pauvres

allemands ou polonais qui travaillaient dans les mines ou qui étaient ouvriers… Et qu’on a raflés

comme ça.

Quand vous décidez de quitter l’Autriche après la nuit de Cristal, pourquoi partez-vous en

France et non en Amérique du Sud, aux Etats-Unis ou en Palestine mandataire ?

Tout le monde fuyait comme il pouvait. Nous sommes d’abord allés à Prague, puis à Brno

et de nouveau à Prague. Pour aller en Uruguay, il fallait partir du Havre, ou de Bordeaux

je ne me rappelle pas. En tous cas, il fallait aller en France. On est passé par l’Italie, puis on a

rejoint Paris. On avait, après tout, ce fameux visa pour l’Amérique du Sud ! Avec ce visa, on pouvait

entrer en France en prétendant être tout prêt à partir pour l’Amérique du Sud. Malheureusement

il n’y avait pas de bateau, ce n’était pas de notre faute.

Ainsi, nous sommes venus en France. Mais la France, c’était tout de même le pays qui nous était

le plus proche, n’est-ce pas ? Spirituellement, intellectuellement… Ce n’était pas l’Angleterre,

ce n’était pas l’Amérique. Notre référence c’était la France. C’était tout de même un pays

démocratique, un pays qui avait déjà accepté pas mal de réfugiés, un pays où il y avait un congrès

pour la liberté d’esprit…Un pays traditionnel où la tolérance vis-à-vis des étrangers existait.

Mais bien sûr, on avait dans l’idée de rejoindre finalement l’Angleterre ou l’Amérique. Mon

frère,par exemple, est allé en Angleterre. Il est devenu un soldat anglais. On s’est rencontré en

Allemagne à la fin de la guerre, lui soldat anglais et moi soldat américain. Très drôle !

Comment vous êtes-vous procuré un visa pour partir aux Etats-Unis? Et comment s’est

déroulée la traversée de l’Atlantique ?

Nous avions réussi à rejoindre la zone libre. On vivait à Pau, en Basse-Pyrénées, fin 1940

début 1941. Mon père était à Marseille pour préparer les visas de sortie, les passeports. Quant

au visa américain, on avait déjà fait la queue toute la nuit à Vienne pour obtenir le numéro

de quota. Celui-ci était des plus importants car les américains avaient un quota minimum pour

les réfugiés européens.

Il existait des pays où n’importe qui pouvait émigrer tout de suite - comme l’Angleterre.

Et des pays pauvres comme pour nous où il fallait attendre des années. Cela faisait finalement

deux ans que nous attendions d’avoir la chance d’obtenir un visa. Mais nous n’avons pas réussi.

Mes parents, mon père s’étaient pourtant battus.

Puis finalement, il m’a dit : « Viens à Marseille, prends le train et on va se débrouiller à

deux ». Je suis arrivé à sa chambre d’hôtel. Il y avait un papier sur sa table de nuit indiquant :

« J’ai été raflé, je suis en prison, va voir telles personnes dans tels cafés». J’étais alors sans

père, tout seul à 17-18 ans… Mais ce n’était pas vrai. Il n’avait pas été raflé. Il avait juste imaginé

tout ça au cas où j’aurais été raflé. Car les rafles étaient fréquentes à Marseille.

Il fallait faire la queue… C’était l’enfer. Finalement, j’ai réussi à avoir une entrevue avec

le consul qui a regardé mon numéro de quota et m’a dit :

- « Avec ça, vous allez émigrer en l’an 2200. Mais vous avez quel âge ? »,

- « 18 ans »,

- « Très bien ! L’Amérique a besoin de soldats supplémentaires. Trouvez-moi le numéro

de quota d’un con, d’un vieux schnock quelque part dont on n’a pas besoin …».

Pendant une seconde, j’ai vu la secrétaire sortir, parmi une pile de milliers de papiers, la photo

d’un vieux avec une barbe. Et voilà !

Ce qui est très frappant dans la deuxième partie, dans SANTA FE, c’est que l’Amérique est

présentée comme un grand pays d’accueil pour l’immigration, comme une terre promise

pour beaucoup d’entre vous. Dès que vous foulez le sol américain, la réalité est d’autant

plus difficile et douloureuse.

Les américains se fichent de votre accent. Tout le monde a un accent. Tout le monde vient

de quelque part. Tout le monde est étranger. C’est déjà un avantage ! En France, je ne sais

jamais quoi répondre quand on me demande : « d’où est-ce que vous venez ? Qu’est-ce que

vous êtes ? » Je n’en sais rien. L’Autriche je l’ai quittée à 16 ans.

Et voilà ! L’Amérique est entrée en guerre et je suis devenu soldat.

Etre un soldat, pour moi, c’était très important ! Il y avait des copains. Pour la première

fois on était parmi d’autres. Alors, j’ai plus ou moins aimé la guerre.

Dans SANTA FE, dans la communauté d’immigrés dans laquelle évolue votre personnage,

on voit un professeur de médecine qui n’arrive pas à trouver de travail ; un acteur qui arrive

à en trouver en imitant des chiens à la radio puis finalement en partant à Hollywood, on voit

ce photographe qui pense toujours que son téléphone va sonner pout lui proposer du travail…

Avez-vous croisé de tels personnages ?

Bien sûr, il y a l’intellectuel qui a perdu les mots et ne peut plus écrire car il peut seulement

écrire en allemand. Il a bien évidemment perdu sa langue natale.

Je viens d’écrire un long article là-dessus : l’auteur immigré qui perd sa langue natale, croit qu’il

ne peut pas écrire dans une autre langue et finit par s’adapter. A titre d’exemple, il y eu Joseph

Conrad, Ionesco… Mais moi, je ne les ai pas connus. J’ai seulement connu les gens qui perdaient

leur langue natale et pour qui c’était une tragédie énorme.

La femme qui ne peut pas aimer, le médecin qui ne trouve pas de boulot, l’intellectuel

qui en vient à vendre des salamis je crois… Oui je les ai tous connus. Les anciens professeurs,

les anciens médecins, les anciennes célébrités, les anciens acteurs qui n’avaient plus

rien, qui étaient seulement compréhensibles dans leur propre langue, dialecte ou argot.

Oui je les ai connus. Et ça, c’est une des choses qui reste gravée pour toujours : la perte d’identité

La situation dans la vie que vous aviez, quand vous la perdez, vous perdez votre identité.

C’est surtout ça l’immigration. Et pourtant ce type qui voyage, il est devenu moi, mais ce n’était

pas moi. J’ai été un autre.

Nous autres, on s’est perdu nous-mêmes.

Les trois films sont tournés en noir et blanc, pour des raisons, je pense, évidente de réalisme…

Axel a voulu y mettre des plans documentaires. J’étais d’accord avec cela, j’ai trouvé ça bien.

Comment est-ce que les films ont été accueillis en Autriche ?

Ca a été un très grand succès en Allemagne et en Autriche, une expérience formidable ! J’ai vu

l’affiche, à Vienne, je suis allé voir le film et je me suis confronté à la réaction du public. C’était

une expérience énorme ! Il y en avait beaucoup qui ne connaissaient rien de tout cela. Il y a eu

des larmes et des silences énormes. Le public a adhéré. Et moi, j’étais inconnu, complètement

inconnu, personne ne savait que j’étais l’auteur ou que j’étais le personnage principal.

Et voilà, les choses que j’avais dévoilées sur ma vie, les choses que j’avais entendues, qu’euxmêmes

ont dites, ont faites… que ce soit le public, leur père ou leur grand-père…

Que savaient les autrichiens de vous au moment où sont sortis ces films ?

Rien, nous étions complètement oubliés ! Mon père, qui avait tout de même un grand magasin

spécialisé dans la fourrure, s’en souvenait. On faisait partie d’une société juive autrichienne.

Mais les juifs étaient partis, disparus. La plupart des gens qu’on avait connus à ce moment-là

étaient décédés.

Mais j’étais tout de même étonné qu’on soit à ce point oublié, que personne ne vienne m’écrire,

me voir ou me téléphoner. Mon père avait une grande société, c’était une personnalité,

mais personne ne connaissait plus ce nom-là.

Quel était votre sentiment vis-à-vis de l’Autriche et des autrichiens?

Je n’ai pas voulu que ce soit un film en noir et blanc qui montre des juifs héroïques tout beaux

et des autochtones tout salauds. Tout est gris, gris comme la nature humaine. Tout le monde

est tout. Tout le monde peut tuer. Tout le monde peut être un héros. J’ai voulu montrer que ce

pays et cette ville de Vienne m’avaient façonné.

Qu’est-ce qui, selon vous, a poussé Axel Corti à tourner ces films ? Ce n’est pas évident

pour un cinéaste autrichien de s’attaquer à ce passé. C’était un grand tabou en Autriche et ça

l’est encore, donc c’était extrêmement courageux de sa part.

Absolument ! Son père a été tué par les nazis. C’était une grande famille aristocratique,

sa femme est comtesse. Elle s’occupe maintenant des SDF en Autriche. C’était un grand

couple. Lui était formidable. Bien sûr on a toujours dit : « I l a fait ça parce qu’il était juif »,

mais il ne l’était pas du tout, pas du tout.

Sonic Youth : the year punk broke 5/6

2011-12-22T00:33:00.000+01:00

The Year Punk Broke vostfr part 5/6 par NoiseNews

Sonic Youth : the year punk broke 4/6

2011-12-21T00:32:00.000+01:00

The Year Punk Broke vostfr part 4/6 par NoiseNews

Upton Sinclair : La jungle

2011-12-20T00:14:00.000+01:00

En 1906, la parution de La jungle provoqua un scandale sans précédent : Upton Sinclair, journaliste inconnu à l’époque, dévoilait l’horreur de la condition ouvrière dans les abattoirs de Chicago aux mains des trusts de la viande. La jungle fut bientôt traduit en dix-sept langues tandis qu'Upton Sinclair, assiégé par les journalistes, poursuivi par les menaces et les promesses des cartels, porté par le mécontentement populaire était reçu à la Maison-Blanche par le président Theodore Roosevelt. Une enquête fut ordonnée, l'exactitude des critiques de Sinclair reconnue.

Une vague de réformes épura les abattoirs et l’industrie alimentaire ; elle s'étendit bientôt à la vie économique tout entière.

Les révélations d'Upton Sinclair, son habileté à dénoncer la misère ouvrière et l'absence de contrôle sanitaire ne suffisent pas à expliquer le retentissement international de La jungle. C'est que ce livre a une force d'évocation, une puissance de conviction, un souffle enfin qui transforment le message social en épopée romanesque. La Jungle est le plus spontané, le plus vigoureux, le plus puissant des romans à thèse.

Sonic Youth : the year punk broke 3/6

2011-12-19T00:28:00.000+01:00

The Year Punk Broke vostfr part 3/6 par NoiseNews

Rive droite

2011-12-18T00:32:00.000+01:00

Automne en Creuse

2011-12-17T00:35:00.000+01:00

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Sonic Youth : the year punk broke 2/6

2011-12-16T00:27:00.000+01:00

The Year Punk Broke vostfr part 2/6 par NoiseNews

Sonic Youth : the year punk broke 1/6

2011-12-15T00:27:00.000+01:00

L'Amérique de 1991 et l'Angleterre de 1977, même combat rock ? Ce film retrace la tournée européenne, à l'aube des nineties, de Sonic Youth, maîtres de la divine dissonance depuis près de dix ans. D'Allemagne en Angleterre, de festival en festival, les charismatiques Kim Gordon et Thurston Moore et leurs acolytes bruitistes goûtaient au succès massif qui n'allait pas tarder à leur tomber dessus à leur retour de l'autre côté de l'Atlantique. Sonic Youth n'étaient pas seuls. Leurs protégés, tels Dinosaur Jr, Babes in Toyland et surtout l'encore confidentiel Nirvana, les accompagnaient. Peu après, la déflagration grunge de Nevermind allait changer la face du rock. Quinze ans après les assauts historiques des Ramones au CBGB's de New York et la furia punk qui s'ensuivit au Royaume-Uni, l'Amérique allait enfin connaître sa révolution sonique à grande échelle. Un film plein de grumeaux, à l'instar de la musique abrasive qu'il présente, à la fois déconnant et passionnant, radical et excitant. En un mot, historique.

Hugo Cassavetti

Mirel Wagner

2011-12-14T00:25:00.000+01:00

Upton Sinclair : Pétrole !

2011-12-13T00:06:00.000+01:00

" Upton Sinclair peint large, vite, puissant, emporte le lecteur et l'incite à s'insurger. Ce roman se veut le roman du pétrole, volontiers scélérat, que Sinclair avait déjà affronté en manifestant contre les Rockefeller. On ne manquera pas d'être frappé, dans la première partie du livre, par la toute puissance de J. Arnold Ross, magnat de la génération fondatrice de l'industrie pétrolière américaine, et par la soumission parfaite de son fils Bunny. Pourtant, le jeune homme s'affranchit de cette tutelle écrasante et finit par tracer sa propre voie, singulièrement différente de ce que dessinait l'exemple paternel. Sept cents pages d'idéalisme, empreintes de toutes les composantes du roman d'éducation."

Les charentaises Rondinaud

2011-12-12T00:35:00.002+01:00

"La véritable charentaise est née en Charente au XVII ème siècle.

Elle est la résultante du recyclage des rebuts de fabrication des industries textiles et papetières situées sur ce fleuve et ses affluents. "

Photos collection Rondinaud

"En effet les feutres à papier étaient en laine et après avoir servi au pressage et avoir absorbé l’eau de la pâte à papier ils devenaient imperméables."

"Les cordonniers / savetiers locaux eurent alors l’idée de récupérer ces feutres pour en faire des semelles souples et confortables."

"La partie supérieure de la pantoufle appelée tige provenait des excédents de fabrications des tisserands locaux qui travaillaient alors pour la confection des uniformes de la marine royale sise à ROCHEFORT.

La semelle et la tige étaient alors cousues à l’aide d’un fil de chanvre par un point de croix appelé dans la région point de chausson."

"Les charentaises servaient à l’époque de pantoufles souples que l’on glissait dans les sabots. La particularité de ce chausson charentais est sa languette sur le cou de pied qui apportait un confort supplémentaire en évitant la morsure du bois de ces derniers. Le succès mondial vient avec James Rondinaud qui a l'idée de les exporter aux 4 coins du monde au début des années 50."

"La marque Ets RONDINAUD a été crée en 1907, elle est issue d’une longue tradition familiale de savetiers remontant au XVIIème siècle. Ses pantoufles de luxe ont pour ADN la qualité des matières premières liée à savoir faire artisanal de grande exigence.

"Depuis son origine l'entreprise RONDINAUD a toujours su adapter son organisation et ses structures au développement de son activité, en maintenant une culture d'entreprise riche et fédératrice."

"L’entreprise a su rassembler des équipes performantes et professionnelles, ayant des expériences reconnues dans leurs différents domaines d’intervention. Cette combinaison de talents et de compétences est à l’origine de la pérennité de la Maison Rondinaud."

Rive gauche, rive droite.

2011-12-11T00:57:00.000+01:00

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Le boul'mich

2011-12-10T00:51:00.000+01:00

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Gregory Porter : Water

2011-12-09T00:45:00.000+01:00

Chronique d'un été avec le Fuji X100

2011-12-08T12:03:00.001+01:00

Une belle exposition aux tirages soignés dans le cadre d'un hôtel particulier ou le travail de Jean-Christophe Béchet, Claudine Doury et Pascal Maître m'ont emballé, ainsi que les première images numériques et en couleurs de Guy Le Querrec. Bravo à l'équipe de Réponses Photo pour cette initiative et leur disponibilité. A voir vite jusqu'au 10 décembre.

Du 30 novembre au 10 décembre, une exposition montre ce travail (Hôtel de Sauroy, 58 rue Charlot 75003 Paris du 30/11 au 10/12 tous les jours de 14h à 19 sauf dimanche et lundi).

Depuis sa sortie en mars dernier, le Fuji X 100 a fait bien parlé de lui avec son look à l'ancienne, son grand capteur, un viseur optique digne de ce nom, une belle optique fixe équvalent à un 35mm à ouverture maximale F2 et un opturateur des plus silencieux. Bref un appareil hors norme qui m'a fait renouer avec les plaisirs photographiques d'antan avec mon Yashica Lynx. J'ai donc craqué et toutes les photos publiées sur Karavan Papou depuis septembre ont été prises avec le Fuji X100.

En partenariat avec "Réponses Photo" un concours fut lancé au printemps dernier. Son thème, "Sur le vif" a permis à chacun des 5 lauréats de gagner un boîtier X100 avec pour mission de photographier son été. 5 photographes professionnels se sont joints à eux.

ALFREDO CUIMHA (Le Portugal) : Photo reporter et spécialiste des photos colorées et dynamiques, Alfredo Cunha a conservé ce même style avec le X100.
GUY LE QUERREC (Le jazz) : Grande première pour Guy Le Querrec, car c'est avec le X100 qu'il a réalisé ses premières photos numériques ! Et, pour l'occasion, ce maître du noir et blanc s'est lancé dans la couleur. Cette exposition offre donc un double scoop : du Le Querrec en couleur et en numérique !
JEAN-MICHEL COULON (En Provence) : Comme pour Guy Le Querrec,le X100 fut le premier contact avec le numérique pour Jean-Michel Coulon. La découverte de ce nouveau monde a poussé Jean-Michel à s'intéresser à des sujets près de chez lui et à privilégier les instants estivaux du quotidien plutôt que le vertige du dépaysement.
ÉRIC BOUVET (En Libye et en Tunisie) : Dès qu'il a pu disposer d'un X100, Eric Bouvet l'a glissé dans son sac et l'a emporté sur le terrain du reportage d'actualité. Et notamment, bien sûr, lors de ses sujets sur les révolutions arabes en Libye comme en Tunisie.
FRÉDÉRIC DARTHEVEL (Au Rajasthan) : C'est en Inde que Frédric Darthevel a emmené son X100. Pour lui aussi, cet appareil marquait un baptême du feu puisqu'il était resté jusqu'alors fidèle au film noir et blanc.
CLAUDINE DOURY (En Lettonie) : Cet été, Claudine Doury dirigeait un workshop à Kuldiga en pleine campagne lettone. Elle avait emporté le X100 pour le tester dans le cadre de ce stage de prise de vue. Habituée à la visée télémétrique, elle a vite apprécié la prise en main de l'appareil, ainsi que la qualité des images obtenues...
PASCAL MAÎTRE (En Somalie ) : Que ce soit pour Géo ou pour National Géographie, Pascal Maître est un des rares photoreporters à s'aventurer encore en Somalie. Accompagné de ses gardes du corps et de son "fixeur" (guide et homme de confiance), il a pu ramener des images impressionnantes de Mogadiscio juste après le retrait des milices Shebab.
JORS GARCIA MORALES (Paysages de France) : Du panoramique ou du format carré ! Jors Garcia Morales a utilisé le X100 d'une façon très originale...
EMMANUEL SMAGUE (Au Kurdistan irakien) : Ses portraits en situation, montrant le rôle des femmes dans cette société réputée misogyne, sont parfaitement pensés et cadrés.
JEAN-CHRISTOPHE BÉCHET (En Islande ) : Intitulée "L'île grise", la série Jean-Christophe Béchet a été réalisée lors d'un séjour en Islande à la fin de l'été. Le X100 l'a accompagné dans des excursions sur les volcans et il a affronté sans souci tous les climats. L'Islande est en effet un terrain d'expérimentation parfait pour tester un appareil : pluie, brume, fumée, neige, embruns, sable, poussière...Le X100 de Jean-Christophe a survécu à tout cela. Et son poids vraiment léger a été très apprécié quand les randonnées étaient longues et pentues...

A Brassens de Jean Ferrat

2011-12-08T00:07:00.000+01:00

Sur une air de Musette

2011-12-07T00:31:00.000+01:00

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Les sables de la mer

2011-12-06T00:00:00.002+01:00

"Weymouth, une ville imaginaire de la côte anglaise vers 1912, est le théâtre où John Cowper Powys met en scène une passionnante troupe de « pantins planétaires » : répétiteur de latin louvoyant autour des écueils de l’érotisme, prophète persécuté nimbé d’étranges lueurs mystico-grotesques, hommes d’affaires qui puise sa raison d’être dans les profondeurs de son coffre-fort, homme de la mer uni aux éléments par sa puissante vitalité, vierges folles, vierges sages, bien d’autres premiers rôles et nombre de figurants. Qu’on nous les montre sous un jour tragique ou cocasse, en proie à leurs rêves ou à leurs idées fixes, amarrés au quotidien ou entraînés vers un tournant entre tous marquant de leur vie, ces hommes et ces femmes se révèlent dans leur vérité la plus secrète. Aux fils de leurs jours s’entrecroisent les thèmes typiques de l’œuvre de John Cowper Powys : hantises de déviations sexuelles et mentales, extatiques communications entre l’animé et l’inanimé, le tout traversé de visions, de rumeurs et de souffles qui donnent à l’ensemble une prodigieuse ampleur cosmique orchestrée par le rythme inlassable, antédiluvien de la mer. Ce roman est abrupt, profond, sauvage, plutôt noir, strié par quelques rayons d’un blanc aveuglant. Parfois c’est l’érotisme lyrique qui domine, tantôt le chant d’une Émily Brontë qui aurait le culte de la mer. Sans cesse le visible et l’invisible se mêlent, le double visage du bienfaisant et du malfaisant, du personnel et de l’impersonnel où tout un monde animal et végétal se place. Tous les personnages sont l’écume, la lie et l’étoile qui naissent du pouvoir ignoré au fond du monde et nous font voir au travers et sentir l’insensible. C’est une communion avec le sel des larmes, avec la porosité de la joie, le défi suprême, l’ultime confiance qui vient à nous dans le privilège des instants et des instincts. Le refrain du galet et de l’algue reviennent toujours, symboles du père d’un des héros, de la présence de la mer parfois consolatrice, toujours dominatrice, souvent terrible. Les choses se rapprochent, s’éloignent, s’abaissent et montent, forment un écran entre le visible et l’invisible. De gros plans s’esquissent après les surimpressions métaphysiques et tout devient table de résonance. Comme chez Rimbaud, des extases naissent dans les sentes, les ornières. Des chants d’enfants éclatent au milieu des drames comme dans Shakespeare. Des règnes se découvrent, symboliques ou non : la virginité, l’innocence, la culpabilité, le sens du grotesque et du sublime. John Cowper Powys use de la technique des perspectives, de répétition, du jumelage, de la technique d’opposition. Il aime placer le lecteur au milieu de brumes qui représentent l’obscurité du chaos à partir duquel se forme le monde, mais de ces brumes et de ces cendres renaît l’âme des personnages. Est-ce le destin qui gouverne ?"

"Hanté par les êtres en proie à la cruauté diabolique des méthodes scientifiques modernes – victimes de la vivisection — et prenant la défense des bohémiens, des simples d’esprit qui posent des questions pénétrantes, l’auteur trace d’obscures ressemblances entre ses personnages. Un trait commun indéfinissable : un langage idéal, un désir latent, passionné, une instabilité, des impulsions fantasques. Presque comme des mystiques qui feraient offrande de leur âme à l’objet d’une adoration spirituelle qui les réunirait malgré eux, ils éprouvent des élancements intolérables qu’éveille le bonheur refusé. Une éthique profondément panthéiste imprègne les acteurs de Powys coincés entre compassion quasi christique pour tout ce qui vit, souffre, et le sadisme métaphysique. Un conflit puissant entre le rationalisme étriqué et l’empathie pour tout ce qui existe traverse la plupart de ses histoires. Culpabilité et chagrin gangrènent l’âme des protagonistes, mais aussi espoir et tendresse. C’est dans la relation au monde que Powys fonde sa mythologie, une relation impliquant un échange, pas seulement une soumission aveugle. Basculement parfois entre la volonté de contrôle sur les forces réduites à des objets et la soumission à ces mêmes forces qui réduisent le sujet à en être l’objet."

"Lire Les Sables de la mer c’est embarquer dans une extraordinaire odyssée dont l’on revient changé. balloté par « le flux et le reflux du cycle de l’univers, la systole et la diastole du Temps et de l’Espace » : « Et volant dans la direction opposée, comme s’il y avait eu entre ces nuages et eux une entente occulte, trois grands oiseaux migrateurs, dont bien peu d’habitants de l’Ile auraient su reconnaître l’espèce, passèrent au-dessus des cheminées de l’auberge avec de silencieux battements d’ailes. Sur toute la surface de la terre, à ces heures où le pouls de la vie bat le plus lentement, le moindre mouvement de la matière prend une importance impressionnante, devient significatif, s’apparente à la fatalité – tel un pas solitaire en un univers vaste et vide. »

"John Cowper Powys est né en 1872 dans le Derbyshire. Fils de pasteur, deux de ses frères, Theodore et Llewelyn, seront aussi des écrivains célèbres. Après des études classiques à Cambridge, il enseigne pendant dix ans en Angleterre puis, à partir de 1905, effectue aux États-Unis des tournées de conférences pour une association consacrée à la Propagation de la Culture. Vingt ans plus tard, il se retire dans les montagnes de l’État de New York, puis, en 1935, dans un village au nord du pays de Galles, où il meurt en 1963, laissant une œuvre immense d’essayiste, de romancier et de poète. Salué comme un génie par certains (Miller notamment), il sera toujours très controversé. En 1934, la parution de son Autobiographie connaitre un grand retentissement."

Hecatombe

2011-12-05T00:55:00.000+01:00

Les passages

2011-12-04T00:20:00.000+01:00

Dans le vieux Montluçon

2011-12-03T00:32:00.003+01:00

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Vienne pour mémoire, trilogie d'Axel Corti

2011-12-01T19:58:00.003+01:00

Triptyque autour de la judaïté autrichienne sous la seconde guerre mondiale, Wohin und Zurück (littéralement « Où et avant ») trace une fuite en avant, et par là, expose une histoire de l’émigration au XXème siècle.

Vienne pour mémoire I. – Dieu ne croit plus en nous (Axel Corti - 1982)

"Dieu ne croit plus en nous, héritier d’un cinéma moderne né au cœur du XXème siècle, esquisse un aréopage de personnages, tous marginalisés par le diktat nazi. 1938, juifs exclus ou résistants échappés de Dachau, tous s’associent pour fuir le joug hitlérien après avoir subi sa diffusion mortifère dans les mœurs viennoises. La compagnie de rejetés aspire à fuir aux Etats-Unis. L’Amérique devient le lieu désiré par les protagonistes. Exténués par la situation politique et les nombreux opprobres, Ferry et Gandhi, son ami résistant, fuient le cœur de Vienne jusqu’à Paris puis Marseille. L’innocence de Ferry, face à la cruauté du nazisme, souligne la férocité de l’extension du régime d’Hitler. C’est là que repose l’effort de Corti pour filmer singulièrement l’Histoire. Fait de traversées et d’évasion, Dieu ne croit plus en nous et par extension toute la trilogie figure la croisée des exodes multiples que le XXème siècle a recueilli. Corti s’attèle au sort des juifs viennois mais il pourrait tout aussi bien s’agir des arméniens turcs."

Vienne pour mémoire II. – Sante Fe (Axel Corti - 1986)

"Sur le même canevas, toujours constitué d’une galaxie de juifs immigrés, Sante Fe brode une nouvelle intrigue, plus vive, plus prompte, plus bavarde aussi. Ce deuxième épisode poursuit l’infinie dérobade en avant initiée dans Dieu ne croit plus en nous. Après avoir enfin atteint le pays tant convoité (qui est qualifié de « bout du monde »), Ferry Tobler rêve tout le long de fuir la peur et la misère dans laquelle il est plongé à New York pour Santa Fe, afin de retrouver sa nature d’être humain. Nouvel objectif d’immigration, Sante Fe, restera un désir pour échapper au « pays de péquenots » où on est « menteurs jusqu’à la moelle ». Ce goût du mensonge partagé aux Etats-Unis s’accomplit dans l’emploi d’une grande partie des personnages. Voués au spectacle, les personnages du film, photographes et acteurs, corroborent le mensonge américain."

Vienne pour mémoire III. – Welcome in Vienna (Axel Corti - 1986)

"En 1945, à Vienne, la guerre est terminée. Freddy Wolff et Georges Adler, émigrés aux Etats-Unis mais d’origine autrichienne et allemande, sont devenus soldats de l’armée américaine. Vienne est en ruines et divisée en quatre zones, le marché noir y règne en maitre. L’Autriche se présente comme une victime innocente du nazisme et refuse d’en prendre conscience. Les gens s’adaptent tant bien que mal au système sauf Freddy qui refuse l’hypocrisie générale et souffre malgré tout de son amour pour la jeune actrice Claudia.

"

La trilogie est diffusée cette semaine au cinéma l'Arlequin rue de Rennes à Paris.

Welcome in vienna - Partie 1: Dieu ne croit plus en nous

Sam, Dim : 14:00 | 21:30

Lun : 14:00 | 16:30 | 19:00 | 21:30

Mer : 14:00 | 16:30 | 19:00 | 21:30

Welcome in Vienna- Partie 2: Santa Fe

Jeu : 14:00 | 16:30 | 19:00 | 21:30
Sam, Dim : 16:30
Mar : 14:00 | 16:30 | 19:00 | 21:30

Welcome in Vienna- Partie 3: Welcome in Vienna

Ven : 14:00 | 16:30 | 19:00 | 21:30

Sam, Dim : 19:00

Brassens & Trenet

2011-12-01T00:05:00.002+01:00

georges brassens - fleur bleue + eau par bisonravi1987
Charles Trenet & Georges Brassens - Petit oiseau par jam28

Supplique pour être enterré sur une plage de Sète.

2011-12-01T00:00:00.003+01:00

Brassens parle de son but

2011-11-30T00:10:00.001+01:00

La non demande en mariage (1966)

2011-11-30T00:00:00.001+01:00

La Non-Demande en Mariage (live) par Ben-Yehuda

Misogynie à part (1969)

2011-11-29T00:21:00.001+01:00

georges Brassens - misogynie a part par bisonravi1987

Arnaud Touraine ferronnier d'art en Creuse

2011-11-28T00:22:00.000+01:00

Ferronnier ancien Compagnon du Tour de France, Arnaud Touraine maîtrise pleinement la technique de son art dans la réalisation d'oeuvres en fer forgé. Atelier ouvert au public sur rendez-vous.

Atelier Les Faires aux Feux Chatelus, 23300Saint Priest la FeuilleTél. : 33 (0)5 55 80 41 98

Automne en Ré (5)

2011-11-27T00:50:00.002+01:00

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Automne en Ré (4)

2011-11-26T00:00:00.002+01:00

Le jardin d'Hélène ou le royaume d'une fée

2011-11-25T00:42:00.001+01:00

Bientôt les fêtes de fin d'année, les produits fabriqués au jardin d'Hélène sont des produits naturels aux saveurs originales à offrir pour se faire plaisir.

les confitures de prunes à la berce ou à l'aspérule odorante, d'ortie, de fleurs de sureau, de baies de sureau, de bananes rhubarbe....

Les liqueurs de coings, de framboises, de cassis, d'estragon, de coquelicot, de mûres, de prunelles,de baies de sureau sont aussi à découvrir.

Le vin de bouleau élaboré avec la sève, le vin de noix, le vin de groseille, le vin de pissenlit, et comme nouveauté cette année le vin de fleurs de sureau et le vin de cassis.

Tous ces produits vous sont proposés au jardin d'Hélène dans des paquets cadeaux originaux que vous pouvez commander et réserver dès maintenant.

Le jardin d'Hélène : 03 23 60 24 34

Les grigris de Sophie à quatre ans

2011-11-24T08:54:00.000+01:00

Le blog de Sophie fête ses quatre ans. Elle en parle : "On y retrouve mes trois chéris bien sûr, des cerfs, ma collection d'objets religieux, un peu de Marie Morel, de Fabrice Melquiot, de Fero Liptak, de Jephan de Villiers, de Claudine Goux, de Marianne Dewelle, de Franck Duval, de Marie-Christine Bourven ,de Pierre Shasmoukine, d'Izis, d'Elliott Erwitt, de Eirch, de Melitta Csorjan, de Philippe Provignon. Il y a du raku, les trois singes de la sagesse, l'attrape-rêves de Marie-Christine, une mosaïque de ma petite soeur, mon petit pépé abandonné, les cerfs de Taugourdeau, un chapeau d'Apolline petite fille, un masque de Venise, un peu de Maroc, de Portugal et de Grèce, un Lempereur-Haut , un Zaurel , un Louédin et une adorable gravure de Maud Gironnay . Et bien sûr Colette, Rimbaud et Baudelaire !"

Visitez ce formidable caravansérail et bon anniversaire Grigris.

Brassens parle de son inspiration

2011-11-24T00:44:00.002+01:00

Fête de la pomme à Ste Feyre (Creuse)

2011-11-23T00:27:00.000+01:00

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Automne à Paris (2)

2011-11-22T00:46:00.000+01:00

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Automne à Paris (1)

2011-11-21T00:41:00.000+01:00

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Des amis à Paris et une belle promenade automnale ensoleillée sur les traces d'Amélie Poulain.

Automne en Ré (3)

2011-11-20T00:37:00.001+01:00

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Maxime Le Forestier chante Georges Brassens

2011-11-19T00:00:00.000+01:00

Automne en Ré (2)

2011-11-18T07:29:00.001+01:00

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Automne en Ré (1)

2011-11-17T12:28:00.001+01:00

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karavan papou

Glenn Gould (2)

Un jour à Orly

Festival objectif Images en Creuse

La Gnome Rhone junior

Denis Brihat

Initiation au sténopé

Glenn Gould (1)

Carnegie Hall, 1959

"Longfellow"

tournage des Variations Goldberg - New York, 1981Copyright KIPA, Patrick Guis

avec l'orchestre de Detroit dirigé par Paul Paray

tournage de "La question de l'instrument" - Toronto, novembre 1979

Glenn Gould l'alchimiste - Toronto, février 1974

Glenn Gould l'alchimiste - Toronto, février 1974

partition du Konzert de Webern annotée par Glenn Gould - collection B.M.

A.S. Byatt, Le livre des enfants

Pierrot Men : Chroniques malgaches

Seal : Soul 2

Marco Barbon : Casablanca

Doisneau aux Halles

Lou Reed & Metallica : Lulu

Paris la métropole et ses projets

Le peuple de Paris au XIXème siècle.

Alexis Weissenberg

Erich Maria Remarque : l'Obélisque noir

The Who : Live at Leeds (1970)

Sonic Youth : the year punk broke 6/6

Cyndi Lauper to Memphis with love

Hans Fallada : seul dans Berlin

CHICAGO

The Who : Quadrophenia

Alfred Doblin : Berlin Alexanderplatz

Philip Kerr : La trilogie berlinoise

Till Fellner joue Bach

Promenade d'hiver à La Charse et ailleurs

BONNE ANNEE 2012

Derniers clichés parisiens

Derniers clichés creusois

Dan Tepfer : Variations Goldberg

A deux pas de chez moi

Palais Royal

Noël givré en Creuse

Joyeux Noël

Welcome in Vienna & Schubert

Welcome in Vienna d'Axel Corti

Entretien avec Axel Corti & Georg Stefan Troller

Sonic Youth : the year punk broke 5/6

Sonic Youth : the year punk broke 4/6

Upton Sinclair : La jungle

Sonic Youth : the year punk broke 3/6

Rive droite

Automne en Creuse

Sonic Youth : the year punk broke 2/6

Sonic Youth : the year punk broke 1/6

Mirel Wagner

Upton Sinclair : Pétrole !

Les charentaises Rondinaud

Rive gauche, rive droite.

Le boul'mich

Gregory Porter : Water

Chronique d'un été avec le Fuji X100

A Brassens de Jean Ferrat

Sur une air de Musette

Les sables de la mer

Hecatombe

Les passages

Dans le vieux Montluçon

Vienne pour mémoire, trilogie d'Axel Corti

Welcome in vienna - Partie 1: Dieu ne croit plus en nous

Welcome in Vienna- Partie 2: Santa Fe

Welcome in Vienna- Partie 3: Welcome in Vienna

Brassens & Trenet

Supplique pour être enterré sur une plage de Sète.

Brassens parle de son but

La non demande en mariage (1966)

Misogynie à part (1969)

Arnaud Touraine ferronnier d'art en Creuse

Automne en Ré (5)

Automne en Ré (4)

tournage des Variations Goldberg - New York, 1981
Copyright KIPA, Patrick Guis